Mundo de letras

Imágenes del paraíso

2012-02-18T11:28:00.000-08:00

“Las postales son imágenes de la fascinación, del deseo del querer aquello que no tienes y que sólo podrás acceder a él una vez cada cierto tiempo…son imágenes del paraíso.”
Carmelo Vega
Profesor de Historia del Arte Contemporáneo
Universidad de La Laguna, Tenerife, España

Una de las grandes víctimas del avance de las nuevas tecnologías ha sido la tarjeta postal. Es una lástima, porque a través de estas coloridas cartulinas, la imaginación humana ha encontrado alas para conocer el mundo, revivir experiencias o solo disfrutarlas. Para mí han sido un pasatiempo que me ha procurado muchas horas de satisfacción. A través de mi colección he viajado mucho más de lo que hubiese podido con mis limitados recursos, pero también siempre han sido la promesa de algo que ocurrirá en algún momento de mi vida futura.

Según algunos historiadores, la idea de las postales surgió del británico Henry Cole, quien cansado de escribir felicitaciones a mano, encargó su diseño a su amigo, el pintor e ilustrador londinense John Calcott Horsley (1808-1882). La impresión de las primeras postales se hizo así en 1843, pero hubo que esperar hasta la década de 1860, cuando los avances de la impresión en color bajaron el costo, para que se hicieran populares entre el público en general.

La Edad de Oro de la tarjeta postal se ubicó entre 1900 y 1914, periodo en el que se convirtió en el medio de comunicación más popular y en el cual obtuvo mayores ventas. Coincidió con importantes cambios en la normativa de correos de muchos países. Por ejemplo, en aquella época se obligaba a los usuarios a escribir sus mensajes en el frente de la postal, muchas veces sobre la ilustración, reservando el anverso para el nombre, dirección del destinatario y los timbres. En Gran Bretaña, para dedicar más espacio al mensaje, se propuso dividir mediante una línea el anverso de la postal en dos partes, reservándose el lado izquierdo para la escritura y el derecho para la dirección. De esta manera, la ilustración de la postal no se dañaba, apreciándose mejor al ocupar todo el espacio. Esta medida fue recogida en 1905 por la Unión Postal Universal y generalizada poco a poco en todos los países.

Álbum abierto al destino

A pesar de la amenaza que representan en la actualidad las llamadas postales virtuales, todavía se mantienen coleccionistas, clubes y asociaciones cartófilas, revistas y exposiciones de la postal en cartulina. El auge del turismo, la publicidad y el apoyo de la industria impresora, son factores importantes para ello.

En una interesante entrevista a Carmelo Vega, profesor Titular de Historia del Arte Contemporáneo en la Universidad de La Laguna, en Tenerife, España, publicada en el portal ASHOTEL, este señala que la postal es un formato y un soporte cuya función, más allá de ser enviada, es la afirmación del acto mismo de estar de vacaciones, disfrutando del ocio, en una condición excepcional. “Me interesa y sorprende que se sigan editando postales y que continúen siendo, en mayor o menor medida, algo rentable ya que podía haber desaparecido como otros productos turísticos que están en desuso; es curioso e interesante que no se hayan extinguido con el boom de las postales digitales.”

Afirma que “antes, la postal tenía una función romántica, que pertenecía al pasado, un pasado idealizado del viaje, era una afirmación del ser y del estar turístico. Hoy apenas se escribe cuando se está de viaje; ahora nos llamamos por el móvil nada más llegar para decir que estamos bien.” Por eso, concluye que hoy se compra para recordar el lugar en el que hemos estado de vacaciones, como un souvenir más.

Otra afirmación interesante del profesor Vega es que las postales son una especie de guía del turista, una orientación en imágenes de los lugares turísticos: “A través de las postales sabemos lo que hay que visitar y hacer, qué tienes que comer, el ruido, el sonido del lugar, la música, el folclore...Son como un álbum abierto“. Aclara que la postal adquiere la visión de que el mundo tiene que estar catalogado, de que el universo son lugares, que cada uno de ellos tiene una imagen de identidad perfectamente representable y en ese sentido, la incorporación de la fotografía ha contribuido a dar imágenes estereotipadas de dichos lugares.

Por supuesto, como todo en la vida, hay recomendaciones para enviar postales. En la página protocolo.org, se mencionan algunas normas, de las cuales podemos resumir las siguientes:

SER ORIGINAL:Elija una alguna imagen representativa del lugar donde se encuentra. No tiene que ser la típica postal del monumento representativo de la ciudad, pero sí alguna original de un barrio de la ciudad, de un monumento poco conocido, etc.

SER BREVE Y CONCISO: Una tarjeta postal admite poco texto.

HUIR DE LOS CLICHÉS EN SUS MENSAJES.

NI TANTO NI MUY POCO: Aunque el espacio es pequeño, no redacte su texto tipo telegrama. Incluya alguna anécdota o adelante algo que contará cuando llegue. Y no olvide firmar la postal.

ENVIARLAS EN SOBRES: así se preserva la intimidad del mensaje que contienen.

ENVÍARLAS CON TIEMPO: Si va estar poco tiempo, envíelas en los dos primeros días para que llegue a tiempo. Si la estancia va a ser prolongada, puede hacerlo a la mitad de su estancia.

Me atrae la afirmación de que las postales son imágenes del paraíso. No de uno, diría yo, sino de muchos, largamente esperados y únicamente conocidos a través de esos pedazos de cartulina viajeros.

Las postales pertenecen a la colección personal del autor de este blog. Fuentes consultadas: Blog Historia Filatélica y revista Muy interesante

Veteranas del Oscar®

2012-02-12T13:54:00.000-08:00

«Mi madre hizo una distinción entre el logro y el éxito.
Dijo que el logro es el conocimiento que usted ha estudiado,
por el que ha trabajado duro y ha hecho lo mejor que hay en sí mismo.
El éxito es estar siendo alabado por otros, y eso es bueno, también,
pero no es tan importante o satisfactorio.
Siempre apunte al logro y olvídese del éxito»
Helen Hayes

Helen Hayes

La afirmación corresponde a alguien para quien el éxito nunca le fue esquivo: la legendaria actriz de cine y teatro, Helen Hayes, una de las pocas que ha sido merecedora de los premios Emmy, Grammy, Oscar® y Tony. En 1970, con siete décadas en su haber, era premiada con el Oscar® por su interpretación como la anciana osada e imprudente que se colaba en un avión en la cinta Aeropuerto, en la cual tal vez lo único recordable sea su presencia. Sin embargo, Hayes no era ninguna recién llegada en estas ceremonias: ya había recibido un premio de la Academia como Mejor Actriz por El pecado de Madelon Claudet, en 1931.

Hayes con la estatuilla
ganada en 1931

Con una trayectoria envidiable en el teatro, su llegada a la tercera edad le permitiría un resurgimiento entre las nuevas generaciones de cinéfilos por sus siempre simpáticas, inteligentes y entrometidas ancianas —tuvo la responsabilidad de interpretar en la pantalla grande a la legendaria Miss Marple, personaje emblemático de Agatha Christie—. En 1966 diría en el Show de Roy Newquist: «Cada ser humano en esta tierra nace con una tragedia, y no es el pecado original. Ha nacido con la tragedia de que tiene que crecer. Tiene que dejar el nido, la seguridad, y salir a dar la batalla. Tiene que perder todo lo que es precioso y luchar por una nueva belleza de su propia creación, y es una tragedia. Una gran cantidad de personas no tienen el coraje de hacerlo».

La orgullosa Miss Daisy

Ciertamente, en la ruta hacia el Oscar®, otras actrices debieron dar fuertes batallas y acumular mucho kilometraje antes de ser distinguidas por la Academia de las Ciencias y Artes Cinematográficas estadounidense. La reina de todas fue sin duda Jessica Tandy, quien en 1989 se convirtió en el actor o actriz de más edad en ganar ese galardón, por encima de otro gran veterano, George Burns. El rol que la hizo merecedora de la distinción fue en

Conduciendo a Miss Daissy (Driving Miss Daisy), como una arrogante y testaruda anciana sureña y judía, que mantiene una entrañable relación con su chofer negro, interpretado por Morgan Freeman.

En Tomates verdes fritos

Tandy era de nacionalidad británica, nacida en 1909, pero su carrera la desarrolló en Estados Unidos de Norteamérica, tanto en teatro, televisión y cine. Fue la primera Blanche DuBois de la obra Un tranvía llamado deseo, en 1948, papel que le valió un premio Tony. Sin embargo, este rol le sería asignado en la gran pantalla a otra gran actriz británica, Vivien Leigh, quien venía de protagonizar el montaje orquestado por su marido, Laurence Olivier, en Inglaterra y que sería escogida por el director Elia Kazan por ser un rostro más conocido en Hollywood.

A pesar de que había incursionado en el cine en los años 40, se focalizó principalmente en el teatro, con eventuales papeles en películas tan conocidas como Los Pájaros, de Hitchcock, en 1963. En contra de cualquier pronóstico, Tandy retomó exitosamente su carrera cinematográfica en los años 80, en las cintas El mundo según Garp (1982), Las bostonianas (1984) y Cocoon (1985). Luego de recibir el Oscar® en 1989, fue nuevamente nominada como Mejor Actriz de Reparto por su participación en esa pequeña joya fílmica llamada Tomates verdes fritos (1991). Aún alcanzaría a interpretar tres películas más, entre ellas Camilla (1994). Murió de cáncer, a los 85 años, el 11 de septiembre de 1994.

Otra destacada actriz y escritora reconocida con el Oscar® a edad avanzada fue Ruth Gordon. El éxito no le fue desconocido en su trayectoria como guionista, junto a su marido Garson Kanin, como autores de las historias plasmadas en La Costilla de Adán (1949) y Pat y Mike (1952). En parte la relación fílmica entre los personajes que encarnaban Hepburn y Tracy en esos filmes era el reflejo de su propio matrimonio. Sin embargo, para obtener premios a sus actuaciones debió esperar hasta la década de los 60, cuando fue nominada en 1966 y ganó un Globo de Oro a la Mejor Actriz Secundaria por su papel en La rebelde (Inside Daisy Clover), protagonizada por Natalie Wood y Robert Redford.

El rol como la entrometida y diabólica vecina de Mia Farrow en El Bebé de Rosemary (1968) le valdría el Oscar® a Mejor Actriz de Reparto a la edad de 72 años. Hay que admirarla en el acto de premiación, cuando con un vestido que no recibiría ninguna buena crítica de la patrulla de la moda liderada por Joan Rivers, se levantaría de su asiento y ascendería ligera al escenario para proyectar su diminuta figura de 1.55 metros de forma impactante. Dos años más tarde, en 1971, sería nominada nuevamente por su papel de Maude en el clásico Harold and Maude, junto a Bud Cort como el apocado adolescente suicida que cambia su visión del mundo cuando se encuentra con ella. El 28 de agosto de 1985 un accidente cerebrovascular acabaría con su vida, a los 88 años de edad.

Otras actrices que recibieron el Oscar® en su ancianidad fueron Peggy Ashcroft, quien tenía 77 años cuando recibió el premio como Mejor Actriz de Reparto por su papel en Pasaje a la India (1984); y Margaret Rutherford, una excelente actriz de carácter que a sus casi 72 años fue reconocida también como actriz de reparto en los VIP (1963). Más veteranía acumularon Gloria Stuart, nominada por su participación como la anciana Rose en Titanic (1997) cuando contaba con 87 años; Ruby Dee, con 83 años, por su participación en American Gangster (2007); la mencionada Tandy, con casi 83 años, por Tomates Verdes Fritos; y Eva Le Gallienne, con 82 años, por su rol en Resurrección (1980).

Oscar® enmienda la plana

El Oscar® Honorario fue creado para premiar circunstancias particulares que, según la Academia, no se podían recompensar con los trofeos habituales. En la práctica, devino en un reconocimiento tardío para grandes figuras que nunca fueron tomadas en cuenta al momento de entregar la estatuilla, como Greta Garbo, Cary Grant, Orson Welles, entre muchos otros. Lillian Gish, pionera y estrella del cine mudo, recibió a sus 77 años uno en esta categoría en 1970, igual que la montadora Maggie Booth en 1977, ambas por su trayectoria profesional.

Mayor parafernalia recibió la distinción a otra leyenda del cine americano: Mary Pickford. Ella, quien fue premiada como Mejor Actriz en 1930 por su actuación en Coqueta (1929), había sido acusada en esa época, tal vez injustamente, de ganar mediante el uso de su influencia y de su prestigio en la industria para un premio que no merecía. Supuestamente Pickford habría hecho lobby fuertemente, invitando a los jueces a tomar el té en su mansión Pickfair. Sin embargo, su actuación en esa cinta fue bien recibida tanto por la crítica como por el público.

Mary se convirtió en una sensible intérprete de adolescentes, aún en su edad adulta, lo cual le había ganado el apodo de La Novia de América. Pero también fue una hábil mujer de negocios y un pilar fundamental en la industria fílmica estadounidense: de hecho, fue una de las tres mujeres fundadoras de la Academia y cofundadora de la productora independiente United Artists. No fue de extrañar, entonces, que en 1976, esta dama menuda recibiera un premio honorífico por su trayectoria a los 84 años. Para entregarle la estatuilla, se hizo un segmento especial, que mostraba la elegancia y lujo de su vivienda. Luego, Mary, ataviada con gran elegancia, visiblemente emocionada y aún con el candor de sus personajes en el rostro, recibía el premio e intercambiaría algunas palabras con su interlocutor.

Otra que siempre se mereció un premio y que tuvo que esperar hasta los 74 años para recibirlo fue Bárbara Stanwyck. Sus interpretaciones en Stella Dallas (1937); Bola de fuego (1941), junto a Gary Cooper; Perdición (1944), con Fred McMurray; y Número equivocado (1948) le valieron cuatro nominaciones, pero nunca logró llevárselo a casa. En la ceremonia correspondiente a 1977, Stanwyck y su querido amigo William Holden presentaron juntos el renglón al Mejor Sonido. En esa oportunidad, Holden comentó: “Hace exactamente 39 años Bárbara y yo estábamos trabajando juntos en Golden Boy. No me estaba yendo nada bien y me pensaban reemplazar. Pero debido a este hermoso ser humano que está a mi lado y a su interés, comprensión, estímulo e integridad profesional, estoy aquí esta noche”. Bárbara se emocionó hasta las lágrimas y ambos se abrazaron. En 1981, esta excepcional intérprete recibió un Premio Honorario. Holden había fallecido meses antes y John Travolta, quien actuó como presentador, trajo a colación la anécdota. Luego de recordar que había tratado de ganarlo varias veces, pero nunca lo había conseguido, Bárbara cerró su discurso emotivamente en recuerdo de su amigo: «Yo lo quería entrañablemente y lo extraño. Siempre quiso que me diesen un Oscar®». Levantó la estatuilla con los ojos llenos de lágrimas y concluyó: «Así que esta noche, mi muchacho dorado, se ha cumplido tu deseo».

En marzo de 1991, otra legendaria diva del cine se convertía en la artista femenina más anciana en recibir este galardón. Sirena de alto vuelo en cintas de gangster y dramas, fina comediante en la década de los 30, madura intérprete en películas como Llegaron las lluvias y Los mejores años de nuestra vida, Myrna Loy contaba con 85 años y 207 días cuando la Academia, que le había ignorado durante tantos años, decidió recompensarla por su trayectoria profesional. La noche de la gala, Angélica Houston sirvió de anfitriona, recordó su brillante carrera y, luego, anunció un enlace directo con el apartamento de la actriz en Nueva York: La cámara captaba a la agasajada frente al monitor de televisión disfrutando de la ceremonia en vivo. En un ligero acercamiento, se detuvo un momento ante ella, quien elegantemente ataviada y aún hermosa, quebró la expectativa de su intervención para pronunciar uno de los más breves discursos de agradecimiento que he oido: “Me han hecho muy feliz. Muchas gracias». Aplausos del público y de vuelta al teatro.

Tres veteranas más serían merecedoras de este premio: Sofía Loren (1991), a sus 57 años; Deborah Kerr (1994), a los 74 años; y Lauren Bacall (2009) a los 85 años.

Tatum O´Neal inició su carrera cinematográfica en Hollywood de la mano de su padre, Ryan O´Neal, en la cinta Luna de Papel (1973). Sorprendentemente y contra todo pronóstico, la debutante ganó un premio Oscar® como mejor actriz de reparto y se convirtió en la persona más joven en ganar esta estatuilla. Casi 40 años más tarde, ¿quién recuerda otra película relevante de Tatum O´Neal? Los hechos parecieran dar la razón a la veterana Hayes: Procuren el logro y olvídense del éxito.

¿Me enjabonas la espalda, cariño?

2012-02-09T09:16:00.000-08:00

Si hay una escena recurrente en el cine, prácticamente desde que fue inventado hasta nuestros días, es la de la chica en la bañera. Ya en 1897, uno de los pioneros en el desarrollo del lenguaje cinematográfico, George Mélies, presentaba al público en su corto Après le bal (le tub) a una dama en esta situación tan íntima:

El voyeurismo hacia las abluciones femeninas ha sido reiterado desde entonces. La chica It, Clara Bow, se mostró de manera casual en la bañera en la película Eve's Lover (1925), mientras atendía una llamada telefónica.

Esta escena encontraría múltiples variantes, que van desde los célebres baños de leche con los que Popea garantizaba la tersura de su piel, lo cual fue aprovechado por Cecil B. De Mille en El Signo de la Cruz (1932) para mostrar a una joven Claudette Colbert en la plenitud de su belleza:

Las escenas en la tina se sucederían con gran frecuencia. Algunas son sencillamente divertidas, como las protagonizadas por la rubia platino Jean Harlow en Tierra de pasión (Red dust, 1932) y Eres mío (Hold your man, 1933). En la primera, una sensual Harlow toma una ducha en un barril, en medio de la jungla, y provoca a su pareja Clark Gable, quien la sumerge por haber utilizado como bañera el depósito de agua para beber. Los espectadores aplaudían extasiados y luego, cuando ella sacaba la cabeza, chorreando y escupiendo, Gable la metía otra vez. Más aplausos por parte de la audiencia.

El crítico de cine Edgar Morin señalaba que Harlow exhibía su cuerpo muy conscientemente en la pantalla, pero no siempre la parte de él que cabía esperar. Las escenas de baño de sus películas en barriles de lluvia o bañeras corrientes, no se basaban, según él, tanto en el sutil ajuste delantero del nivel del agua, como en los excitantes planos de su espalda. El público deliraba cuando ordenaba al hombre que invariablemente estaba presente: "Restrégame la espalda".

En la segunda película, la actriz se veía en otra situación comprometida en la tina, donde es sorprendida por Gable, un estafador de poca monta, quien se escondía de su última víctima y un policía en el primer departamento abierto que pudo encontrar y que resultó estar ocupado por Ruby Adams (Jean Harlow), una mujer cínica con numerosos novios. Ella al principio no lo aceptaba, pero al final caía enamorada de él.

También en 1933, Myrna Loy encontró un rol que le permitía desplegar su atractivo sexual en The barbarian, la historia de una atracción interracial entre una mujer blanca británica y un príncipe árabe, interpretado por Ramón Novarro. El baño en esta oportunidad se dio en una lujosa bañera rodeada de pétalos de flores, donde la actriz dejaba entrever sus encantos y se veía más hermosa que nunca.

De allí en más, a pesar de las restricciones impuestas por la censura, la chica en la tina seguiría apareciendo en distintas situaciones fílmicas, algunas totalmente justificadas, otras como un gratuito colirio para los ojos de los espectadores:

Marlene Dietrich en Caballero sin armadura (1937)

Lana Turner en Las chicas de Ziegfeld (1941)
Betty Grable en Rosa la revoltosa (1943)

Paulette Goddard en Inconquistable (1947)

Joan Crawford, acompañada por Rosalind Russell en Las Mujeres (1947)

Rita Hayworth, en una película no identificada

Jane Russell, encarnando a Calamity Jane en El cara pálida (1948)

Nuevamente Lana Turner en La viuda alegre (1952)

Marilyn Monroe en La comezón del séptimo año (1955)

Jane Mansfield en Will sucess spoil Rock Hunter (1957)

Joan Collins en Rally Boys (1958)

Natalie Wood en Esplendor en la hierba (1961)

Kim Novak en Notorius landlady (1962)

Elizabeth Taylor en Cleopatra (1963)

Jeanne Moreau en La novia vestía de negro (1967)

Claudia Cardinale en Érase una vez en el oeste (1968)

María Schneider en El último tango en Paris (1972)

Sofía Loren para la revista Life

Julia Roberts en Durmiendo con el enemigo (1991)

Mena Subari en una escena memorable de Belleza Americana (1999)

Michelle Williams, interpretando a la Monroe, en My weekend with Marilyn (2011)

Para variar y no olvidarnos que nuestras estrellas de la televisión venezolana fueron tentadas alguna vez para mostrarse en sus íntimos baños de burbujas, les presentamos a dos bellezas, María Conchita Alonso e Hilda Carrero, en un reportaje especial para la recordada revista Momento:

Llegada la hora, no queda más que despedirme para ir al baño...¡a refrescarme, por supuesto!

La noche cuando murió Lila...en la web

2012-02-01T14:18:00.000-08:00

- Murió Lila Morillo - me comentó mi hija esa noche del 1º de diciembre de 2011, con una expresión evidente de su comprensión acerca del anuncio que me hacía.

- ¿Quién lo dice? - le pregunté, todavía incrédulo por la inesperada noticia.

- Lo puso su hija en el twitter - explicó y me mostró la pantalla de la computadora en la que aparecía el mensaje

Todavía capcioso —no era para menos, en un país en el que a cada momento anuncian la falsa defunción de un personaje público—, busqué mi laptop y me dediqué a investigar. La noticia aparecía como confirmada en la versión electrónica del diario aragüeño El Periodiquito. Incluso Wikipedia llegó a colocar, en una actualización de su página dedicada a la artista, datos sobre su muerte y hasta las causas de ésta: «Lila Morillo: (Maracaibo 14 de agosto de 1940 - 1 de diciembre de 2011), fue una cantante y actriz venezolana…. Muere el 1 de diciembre de 2011 en su natal Maracaibo a causa de una intervención quirúrgica de carácter estético, a causa de una mala respuesta a los anestésicos». ¡Plop! Numerosas entradas en diversas páginas daban cuenta de la perplejidad de los usuarios: ¿Se murió o no se murió? ¿Es cierto lo de Lila?

Lo confieso públicamente: nunca he sido fanático de esta actriz y cantante marabina, pero estoy claramente advertido de que, para muchos, ella es una referencia de zulianidad. De allí que era fácilmente comprensible el alboroto que se había armado. Habría que haber vivido en una burbuja de cristal para no haber oído de las andanzas de Lila en los años 70 y 80.

Para mí, la imagen de Lila tiene varias caras: por una parte, la asocio con la música rockolera, hecho que descubrí fortuitamente cuando a principios de la década de los 70, al revisar la lista de canciones de uno de esas antológicas máquinas de pinchar discos en un bar de pueblo en Margarita, comprobé que gran parte eran de éxitos de Lila Morillo, tales como El Cocotero, Tres meses de vida, Fuego lento, Mi corazonada, Fichas blancas, Propiedad privada, Tronco seco, Perdone usted y Anillo de promoción. Era la reina absoluta, junto a Nohemí Berlati, Los Terrícolas, Julio Jaramillo y otros nombres que hoy se encuentran injustamente olvidados.

Después está la Lila despechada, esa que reclamaba por la Jaula de Oro en la que había sido colocada —asumía uno que por su esposo José Luis Rodríguez, El Puma, para la época triunfando en Latinoamérica, mientras su pareja languidecía asfixiada en su lujosa residencia en Miami, un lugar que le era extraño y donde ni siquiera dominaba el idioma, según confesara ella misma en alguna entrevista—. Eran los años gloriosos de Sábado Sensacional, junto a Amador Bendayán y el Gordo Peña, quienes conscientes del atractivo de su figura exclusiva, la anunciaban casi cada fin de semana, ya acompañada de sus hermanos, ya sola entonando baladas o rancheras y —¡cómo no!, su éxito imperdible, El Cocotero. Finalizando los 80, Lila incorporaría otro tema emblemático a su repertorio: El Moñongo.

Está también su discreta faceta como actriz, liderando en los 70 con María Mercé, la Chinita, y otras apariciones no tan felices, incluyendo una en la novela Viva la Pepa (2001). Hay que sumar también su conversión cristiana, su ya legendario antagonismo con otra grande de la canción —Mirla Castellanos— y su anunciada biografía, esa que siempre tiene escondida como un as bajo la manga, pero que nunca ve luz editorial.

Todas estas ideas pasaban por mi cabeza. La recordaba en la última edición aniversaria de la revista dominical Todo en Domingo: Lila, vestida de Lila, con sus vestidos pomposos, reinando en la sala de su hogar en Caracas, con sus muebles de estilo, mientras una pareja rococó de enamorados en cerámica asomaban por detrás de su figura, cómodamente instalados en la mesa auxiliar. Lila que cuenta una vez más su vida azarosa, sus limitaciones económicas, el amor de su familia, su larga cadena de cirugías y enfermedades… Lila más Lila que nunca, a sus 71 años muy bien llevados, todavía atractiva, todavía Lila.

Sin embargo, las imágenes más recurrentes provenían de una de las mejores sesiones fotográficas que figura artística haya realizado en nuestro país. A mediados de los 80, la revista Ronda publicó un especial con Lila en una piscina. Ella misma comentaba que la idea había provenido luego de ver unas fotografías de Natalie Wood, vestida con una malla color carne, aparentando un desnudo acuático. Por supuesto, al inicio del reportaje, las gráficas mostraban a la zuliana inmersa hasta el pecho en el agua, con su peinado lleno de laca y el maquillaje intacto. Pero a medida que avanzaba la sesión, Lila fue perdiendo el pudor y se zambullía feliz en el agua, mientras mostraba, sugerente, sus atributos. La imagen sería portada de varias revistas, incluida Cosmopolitan.

Ahora, que su muerte era anunciada a través de la red, no dejaba de pensar que Lila no merecía un final como ese: apenas unas líneas en el twitter de su hija, en medio de especulaciones y rumores. Para este luctuoso momento, me la suponía en una mediática aparición pública, todos consternados por su inminente deceso, pero siguiendo de cerca de las incidencias del acontecimiento…

A las dos horas, la noticia se desinflaba. Desde Miami, Liliana Morillo desmentía la muerte; anunciaba que su progenitora estaba bien de salud y se encontraba con ella y con Lilibeth en Estados Unidos. Explicaba que la cuenta de su hermana había sido hackeada para dar a conocer esta información falsa. Anita Morillo también aclararía la situación a través de un contacto telefónico con el diario Últimas Noticias. La propia Lila tuvo que hacer una declaración en vivo a través del programa Buenas Noches, de Globovisión: “Yo les doy las gracias por la preocupación, por el amor que me tienen, demostrado en este momento... Con el amor de un pueblo no se juega; quienes quisieron hacerme un daño lograron que en verdad fuera una victoria".

Una victoria que nadie puso en duda. Quizá la mejor frase de la noche correspondió a Eneida Morillo, otra de las hermanas de la intérprete, quien en comunicación telefónica con el canal de noticias Globovisión anunció: «Aún queda mucho Moñongo y Cocotero también».

Pocos minutos después, Wikipedia corregía su página. Sin embargo, todavía hoy, El Periodiquito mantiene la nota con el rumor que revolucionó a Venezuela y que se convirtió en trending topic en la red social Twitter.

Tres bellezas hollywoodenses

2012-01-31T15:36:00.000-08:00

El pasado 16 de enero se cumplieron 70 años de la trágica desaparición de una de las actrices mejores dotadas para la comedia en el cine norteamericano: Carole Lombard (Jane Alice Peters, 6 de octubre de 1908).

Al momento de su fallecimiento, regresaba a California de su estado natal, donde había viajado a dar apoyo para la venta de Bonos de Guerra, cuando el avión en el que se trasladaba cayó en las afueras de Las Vegas (Nevada). Todos sus ocupantes murieron, incluyendo a Carole, su madre, su apoderado y otras 20 personas.

La actriz de 33 años había filmado el año anterior una de sus mejores y más conocidas películas, Ser o no ser (To be or not to be), bajo la dirección del extraordinario Ernst Lubistch. Estrenada un mes después de su deceso, en plena Segunda Guerra Mundial, la cinta tendría gran éxito de crítica y público, que lamentablemente no tuvo oportunidad de disfrutar.

Para la época, Carole Lombard se encontraba en uno de los mejores momentos de su carrera, en la cual destacaban títulos como La Reina de Nueva York (Nothing´s sacred, de William Wellman, 1937) y Al servicio de las damas (My man Godfrey, dirigida por Gregory La Cava en 1936), la cual le había valido una nominación al Oscar. En el momento de su desaparición, era la esposa de Clark Gable, con quien formaba una de las parejas más atractivas de Hollywood.

La noticia cayó como una bomba. El presidente Franklyn D. Roosevelt la declaró como la primera mujer que cayó en la Segunda Guerra Mundial, y recibió de manera póstuma la Medalla de la Libertad.

Lombard se destacó por sus grandes dotes para la comedia y por su belleza física, además de su particular desenfado en el hablar, según referían sus allegados. El aniversario de su inesperada muerte, siete décadas después, tal vez no despierte el interés de otras estrellas como Marilyn Monroe, quien en 2012 cumple 50 años de su muerte, pero su figura aún es recordada por los cinéfilos.

El 6 de noviembre de 2011 se cumplieron también dos décadas de la muerte de Gene Tierney, otra de las bellezas de Hollywood en la década de los 40. La actriz se había retirado del cine a principios de 1960, luego de haber pasado varias depresiones y problemas de salud.

Se le recuerda particularmente por su protagonización en Laura(1944), de Otto Preminger, cinta prácticamente de culto en la que mostraba su espléndida belleza. También fueron destacadas sus intervenciones en las películas Amanecer (Sundown, 1941), El embrujo de Shanghai (The Shanghai Gesture, 1941), El hijo de la furia (Son of the Fury, 1942), El cielo puede esperar (Heaven can wait, 1943), Que el cielo la juzgue (Leave her to heaven, 1945), Al filo de la navaja (The razor´s edge, 1946) y El fantasma y la señora Muir (The ghost and Mrs. Muir, 1947).

La tragedia empañó en varias oportunidades su vida: su hija Daria, fruto de su matrimonio con Oleg Cassini, tenía retraso mental, era sorda y ciega, resultado del contagio de rubeola que sufrió Gene de una admiradora en un acto. Divorciada de Cassini, su relación con Ali Khan fue tormentosa hasta la ruptura definitiva, lo cual le ocasionó depresiones que afectaron su carrera fílmica.

En 1960 se casó nuevamente con el magnate del petróleo, W. Howard Lee, de quien enviudó en 1981. Sus apariciones posteriores se hicieron muy esporádicas, especialmente en la televisión, donde sería invitada en los programas de Merv Griffin, Johnny Carson y Dinah Shore. Falleció de enfisema a los 70 años.

La tercera de nuestras bellezas clásicas es María Montez, Reina del Technicolor, como se le conoció en la década de los cuarenta y principios de los años 50.

Esta bella actriz de origen dominicano murió el 7 de septiembre de 1951 a los 39 años de edad, aparentemente debido a un ataque al corazón y encontrada ahogada en el baño de su residencia en Suresnes, Francia.

Como el 6 de junio se cumplirán 100 años de su nacimiento, preferimos guardar para esa fecha una semblanza de esta eterna beldad, dueña y señora de paraísos de ensoñación orientales en la pantalla grande.

¿Qué es ser artista en Cabimas?

2012-01-19T14:49:00.000-08:00

¿Qué es ser artista,
preguntas,
en esta ciudad perdida?
Es nada
sólo un eco
que débil se escucha
entre las aguas negras
y las calles abiertas
llenas de huecos
como esta alma mía.

Fotografía: José Gregorio Marcano

Adios a las divas

2012-01-12T15:49:00.000-08:00

Ellas representaban a la mujer según los esquemas cinematográficos. Soñadoras, vulnerables, dominantes o sometidas, eran diosas, dueñas y señoras del olimpo del séptimo arte. Encarnaban un estilo de vida, una forma de interpretar, de seducir y de amar.

Ser bellas era su oficio y su esclavitud. En el altar de la vaciedad rindieron sus encantos para hacer del cine sus dominios en largos metros de celuloide. No importaba sacrificar sus sentimientos, sus emociones y sus pensamientos; el precio a pagar era alto, pero mayor fue la recompensa: permanecer embalsamadas en las latas y videos de sus películas, inmortalizadas, listas para representar una y otra vez su rol de seductoras y seducidas.

No bastaba una bella cabellera o unos ojos impresionantemente expresivos: se requería el aparataje, los escándalos pre-fabricados, el nombre sugerente... y aún más. Tras de ellas, las luces veladas, los vestuarios audaces y exóticos, la laxitud rebuscada de una pose o la candidez estudiada de la mirada. Un Pigmalión que las "reconstruyera", ocultara sus defectos y exaltara sus virtudes, casi siempre físicas.

¿Eso era todo? No. Más allá del escote audaz o
las piernas bien torneadas, hacía falta esa fuerza interior capaz de atraer en masa al público y mantenerlo cautivo frente a una sucesión de imágenes, a 24 cuadros por segundo. Actuar no era indispensable. Lo que importaba era ese encanto especial, que algunos llamaron It, sex-appeal, charm o glamour, según cambiaron los tiempos.

¿Al final? Teníamos una estrella.

Ava, Rita, Marlene, Greta...más que mujeres eran leyendas vivientes. ¡Qué tiempos serían aquellos, cuando del tosco barro del cual fue hecho el hombre surgieron esas míticas figuras, distinguidas con un barniz especial!

La memoria nos lleva entonces a las piernas de Marlene Dietrich, enfundadas en medias de seda en El Ángel Azul; o al revolotear de la falda de Marilyn Monroe en La comezón del séptimo año; al guante negro de Rita Hayworth en Gilda; a la luminosa sonrisa de Greta Garbo en Ninothka; o a una Jean Harlow, sucintamente vestida, que pide permiso para ponerse "algo más cómodo" en Ángeles del infierno...imágenes imperecederas, legadas a la fantasía del cine como recuerdo de esas extraordinarias mujeres.

La muerte las ha alejado del mundo terrenal, más no de las mentes de los cinéfilos, muchos quienes ignoran sus existencias azarosas, llenas de vacíos emocionales y afectivos, golpeadas paradójicamente por el personaje que ayudaron a fabricar. A pesar de su aparente decrepitud y estigmatizadas por las huellas del tiempo sobre sus cuerpos, aún se conservan frescas, jóvenes y radiantes en los archivos fílmicos, siempre dispuestas a representar una y otra vez su papel en las pantallas.

Elba Escobar en gotas: “Soy bien atrevida”

2012-01-06T11:49:00.000-08:00

Hace 20 años tuve la suerte de conocer a Elba Escobar. En esa época ya era una actriz reconocida de teatro, cine y televisión, que se encontraba presentando su monólogo Gotas de color en un espejo de agua bajo los auspicios de la empresa petrolera Lagoven, en la cual me desempeñaba como supervisor de Comunicaciones Externas. Aunque no era especial admirador de su trabajo, la había visto la noche anterior en la función privada ofrecida a los trabajadores de la empresa y sus familiares en Morichal. Me impresionó tanto su trabajo que pedí a la supervisora de Calidad de Vida, dependencia que había coordinado su contratación, para que me permitiera entrevistarla antes de la función que ofrecería esa noche al público en Maturín. La reunión fue concertada y, después del mediodía, tuve la oportunidad de conversar con ella. Digo conversación porque eso fue, más que una entrevista formal. Alejada de divismos, me permitió todas las preguntas que quise formular y luego de casi una hora que duró este encuentro, me despedí de ella. A pesar de que no laboraba para ningún medio impreso, El Diario de Monagas aceptó el texto que les transcribo, el cual fue publicado el lunes 30 de septiembre de 1991, en la página 24. Las fotografías de la obra son de Iván Madriz. Espero lo disfruten:

Llegó menuda, rellenita, con esas ojeras que recuerdan a una diva del cine mudo. Al principio recelosa, luego hablaría ampliamente acerca de su trayectoria profesional en el teatro, cine y televisión.

Elba Escobar se muestra sencilla, sin poses y afirma convencida que es una actriz bien atrevida. No hace referencia a sus recordados personajes en películas como Macho y hembra o De mujer a mujer, sino a su decisión de hacer el monólogo Gotas de color sobre un espejo de agua, recientemente presentado en Maturín, bajo los auspicios de la División de Oriente de Lagoven.

- A raíz de la invitación al ciclo de monólogos en homenaje a Esther Plaza, en Caracas, decidí no hacer ninguno de los trabajos que me presentaron, escritos hace años, pasados de moda, enmarcados en una época en la que la mujer se convirtió en abanderada del feminismo en una lucha de principios con el hombre, a quien esta se enfrentó psicológica y socialmente. Eso ya no me interesaba, pues hace 10 años pertenecí a ese movimiento. Sin embargo, después de sopesar lo positivo y lo negativo del feminismo, logré la conciliación con mi parte femenina y el hombre. De hecho, yo creo que el acto creativo más hermoso es la unión del hombre y la mujer.

Planteé esta preocupación a Romano Rodríguez, director de la obra, y él me dijo que podría escribir algo para mí. Como soy bien atrevida, acepté. Otra no se habría arriesgado con una persona tan joven. Pero, en cambio, recibí este texto que habla sobre una mujer que se reconcilió con la imagen masculina producto de un proceso de reflexión, que en estos instantes está sola, pero dispuesta a encontrar a alguien con quien compartir.

- ¿Cómo fue el proceso de elaboración de la obra?

- Romano me preguntaba todo sobre mi vida. Cómo había sido la experiencia de ser mamá, la relación con mi hijo. Conservó la estructura de algunos de los monólogos de los clásicos y así podemos ver gotas de Julieta, Ofelia, Lady Macbeth. En la primera versión había una violación tomada de Daniel Fo. Pero, decantando su trabajo, Romano reescribió íntegra esa escena.

Ser actriz: un compromiso

- Tú tiene fama de apasionada con tus interpretaciones, que te entregas a tus personajes. ¿Todavía eres así?

- Es que debe ser así y uno lo descubre en el momento en que se decide ser actriz.

- ¿Cuándo lo descubriste?

- Mi primera obra la hice en el Pedagógico de Caracas a los 17 años, donde estudiaba Física y Matemáticas. Seleccioné Teatro como una materia opcional, para llenar créditos, pero no tenía ni idea de qué era eso.

Mi personaje era el de una viejita a quien le llevan su hijo a la guerra. No tenía conciencia de actriz, pero desde ese instante ya me metía en un problema que no era mío. Yo no había estado en la guerra ni tenía hijos, pero imaginaba que eso debería ser terrible, y lloraba y lloraba. El día del estreno, cuando terminó la función, el público aplaudió mucho. Sin embargo, al momento de yo salir, hubo una ovación. Me aterré. Fue allí que tuve conciencia de que era una cosa seria. Me dí cuenta de que el público era mi compromiso. Descubrí que era actriz.

Elba cuenta la historia de una manera sosegada. Pero el apasionamiento le brilla en los ojos y gesticula para enfatizar sus palabras. El mesonero nos interrumpe para anunciarle una llamada a la que ella acude veloz. Luego nos informaría que hablaba con su hijo de 20 meses —“Mi tesoro”, dice— y remeda la vocecita que la llama mami.

- Cuando se levanta el telón, hay un porcentaje de conciencia mínima que está bien, —prosigue Elba—. Recuerda el texto, los movimientos que ha indicado el director, la señal para que entre otro actor; pero en mi caso, el 75 por ciento de mi conciencia está concentrado en mi personaje. No es enajenación, eh, que quede claro.

- Algunos actores sostienen que debe haber un distanciamiento entre el actor y el personaje…

La actriz se enrosca en la silla como una serpiente y con un gesto de su mano afirma contundente:

- Decir que se guarda distancia es “culillo”. Miedo a sumergirse en el fondo del ser, vivir situaciones que no tienen nada que ver contigo. El actor que dice eso es un “culilludo”.

- ¿Hay algún actor o actriz que te hayan marcado?

- En el cine, Dustin Hoffman. Ahora, la primera actriz en teatro a quien admiré al punto de sentarme en la butaca en primera fila y decir: “Yo quiero ser como ella”, fue Pilar Romero. Era mi sueño. Yo iba siguiéndole los pasos. En televisión, era Doris (Wells). Me encantaba, hasta que hicimos una película (“La casa de agua”). Con Pilar, aunque he intervenido en obras escritas por ella, me gustaría trabajar en teatro juntas.

Para Elba, la televisión es una consecuencia para los actores de teatro. Asegura que al no existir talleres para actores profesionales, estos ven en la TV una forma de entrenarse constantemente.

- Al igual que un bailarín se ejercita con coreografías o un pianista practica las notas musicales, el instrumento del actor son sus sentimientos y debe ejercitarlos a diario. Para él, la TV cumple esa función.

- Pero se dice que muchos agarran mañas y vicios…
- Te estoy hablando de los actores de teatro. Los vicios y las mañas los agarran quienes no tienen formación teatral.

- En televisión, hubo un tiempo en que estabas encasillada.

-...Pero ahora no. Fíjate que en Emperatriz hice un papel que no había hecho nunca. Ya eso pasó —Hace un mohín y sonríe—, parece que ya se han dado cuenta…

-También hubo un momento cuando hablar de cine venezolano era hablar de Elba Escobar. Estabas en casi todas las películas: Homicidio Culposo, Macho y Hembra, De mujer a mujer, Coctel de camarones, Anita Camacho, La casa de agua…

- Es que cuando hice todas esas películas que nombras no tenía 10 o 15 guiones en la gaveta. A mí me habría encantado, pero eso era lo que me traían. Terminaba uno y llegaba otro.

- ¿Quieres continuar haciendo cine venezolano?

- El cine venezolano ya no existe. Ahora existen las coproducciones. Fíjate que sí quisiera seguir en cine. Sin embargo, seleccionaré con más cuidado mis papeles, porque estoy en la posición de poderlo hacer. En estos momentos tengo un guión que me encanta y así hubiese otros 10, me habría quedado con ese. Se llama Golpes a mi puerta, de Juan Carlos Gené. El rodaje comenzará en enero y cuenta la historia de un joven perseguido que pide protección a dos hermanas religiosas, en un país donde existe una situación de totalitarismo, un régimen dictatorial. Yo seré una religiosa y la otra la hará Verónica Oddó.

- ¿Qué otros planes tienes?

- En televisión, para Marte TV, comenzaré en octubre a grabar una novela en coproducción con España. Continuaré presentando el monólogo cuya próxima función será en Ciudad Guayana. Además, estoy ensayando una sátira sobre la corrupción, titulada Pequeño negocio de familia, con el grupo Theja.

- ¿Nunca has estado atada a alguna compañía teatral en particular?

- No, yo amo mi condición de free-lance.

- ¿Algo más entre manos?

- Próximamente se pondrá en escena la obra Oficina No.1, de Miguel Otero Silva; de nuevo representaré a Carmen Rosa Villena. Este papel ha sido el que más me ha gustado, pues yo anhelaba un personaje que ella sola se pareciese a todas las mujeres venezolanas. En Oficina No. 1, el texto teatral de Larry Herrera supera a la novela y ello me tiene muy entusiasmada.

El momento de la despedida ha llegado. Un breve apretón de manos, con la invitación amable: “No dejes de ver la obra”. Y la vimos. Descubrimos a una Elba Escobar transformándose sutilmente de niña a mujer, para mantener deleitado al público con su presencia. Luego Elba, transformada en gotas, nadaría en un mar de aplausos ante un público de pie, con una sonrisa en los labios.

Para terminar, la imagen promocional que de Elba Escobar tomara el fotógrafo David Maris para la radioemisora Onda, en la cual ella tiene un programa diario:

110 años de Marlene Dietrich

2012-01-02T09:30:00.000-08:00

Lo aseguró Lili Darvas, una actriz alemana de la pre-guerra: "Tenía la única condición esencial para ser estrella: ser magnífica sin hacer nada". Y lo dijo cuando aún Marlene no alcanzaba el estrellato.

En esa época, era una atractiva berlinesa, algo gorda, de nariz respingada, que enturbiaba la mirada "como hacen las vacas cuando paren", según palabras de Emil Jannings, su coprotagonista en El Ángel Azul (1929), quien ciertamente se sintió celoso de la actriz y del personaje que le quitaba la atención de la audiencia.

Esa misma mirada, de aladas cejas y pesados párpados, hipnotizaron primero a Joseph von Sternberg, su mentor y director de la cinta, y luego al público de todo el mundo. Según la novela y el guion original, la estrella de la película no era ella sino Jannings, pues el personaje principal no era Lola sino el profesor Rath, en torno al que gira toda la historia. Sin embargo, la confección del personaje por parte de von Sternberg, hizo que ella ganara mayor atención. Según él, Jannings interpretó su papel de manera excelente, pero también “supo antes que nadie, antes que yo mismo, que aunque su nombre tuviera que aparecer en letras más grandes que todos los demás, el público, el auténtico juez, no se dejaría impresionar por ello”.

Nacida para el amor

María Magdalena von Losh —tal era su verdadero nombre— nació en Berlín el 27 de diciembre de 1901, aunque el año de su nacimiento siempre ha sido puesto en duda. El diccionario de personalidades Who’s Who (Quién es quien) afirma, en su versión inglesa, que Marlene Dietrich nació en 1904 y la actriz siempre defendió esta teoría, mostrando como prueba su pasaporte. La versión francesa sostiene que nació en 1902, lo mismo que la enciclopedia Larousse, pero una partida de nacimiento hallada en 1956 en los archivos de Berlín, su ciudad natal, indica que fue en 1901, cuando vino al mundo. De allí que el pasado 27 de diciembre la diva estaría cumpliendo su 110 aniversario.

Encarnó vampiresas, prostitutas, esposas infieles, en películas clásicas como El Ángel Azul, Marruecos, El Expreso de Shanghai, Ángel y Deseo; pero además a mujeres emprendedoras y vitales como la Frenchy, en Arizona o a la orgullosa prusiana en el Juicio de Nüremberg.

Logró desprenderse de la imagen decadente y distante que von Sternberg había hecho de ella y resurgió animando a los jóvenes soldados en el frente de batalla durante la Segunda Guerra Mundial, cuando además condenó al nazismo y tuvo que enfrentar el repudio de sus propios connacionales.

Marlene representó un espíritu libre, capaz de vivir a plenitud en derroche de dinero y lujos, pero también en vivencias que la alzaron por encima de sus contemporáneas.

"No me tomo muy en serio, ni a mis películas ni a mí, de modo que ustedes tampoco deben hacerlo", expresó alguna vez. Sin embargo, sus últimos años de vida antes de su retiro definitivo de los escenarios, los pasó recorriendo medio mundo con sus canciones, convertida en una leyenda, algo que siempre detestó.

Su última aparición en la gran pantalla no es Just a gigoló (David Hemmings, 1974), como muchos creen, si no en un documental realizado por Maximilliam Schell en 1984, titulado simplemente Marlene, en el cual se escucha su voz, pero al que se negó a mostrar su imagen, tal vez para mantener inalterable el personaje que ella misma ayudó a forjar.

El miércoles 6 de mayo de 1992 murió a los 90 años, "acostada en su diván, rodeada de las fotos de sus amigos, en un bello día de primavera", según reseñó la prensa de la época. Tal vez rememorando sus lejanos días de gloria y de aquella depravada Lola-Lola que la llevó a la fama.

Marlene, en 1960, en una imagen tomada por Liselotte Strelow.

"La tengo, la tengo, no la tengo..."

2011-12-29T18:23:00.000-08:00

Hace 39 años, un niño tuvo que elegir entre su merienda y dos sobres de barajitas. Ese día, este niño se quedó sin comer. Pero el esfuerzo valió la pena: Con los ojos brillantes y el estómago vacío, comprobó que una de esas barajitas estaba premiada. Lo sé de primera mano, porque ese niño fuí yo.

Comencé a comprar álbumes de barajitas en 1972, cuando estudiaba segundo grado de instrucción primaria. El primero fue uno cuyo nombre no recuerdo exactamente pero se refería a imágenes del mundo. Era un álbum grande, bellamente ilustrado, que incluía los mapas de cada uno de los continentes, las banderas de los países y las escenas con las costumbres más representativas de cada continente. Así conocí la tribu de los Tuareg, a las mujeres jirafas en África, a los gigantescos nenúfares en el río Amazonas, las costumbres de esquimales y polinesios, las hermosas tradiciones europeas y americanas, la hermosa barrera de coral en Australia...

La emoción estaba en adquirir los sobrecitos y, con tensa expectación, mirarlos uno a uno para comprobar si había alguna barajita repetida. Más de una vez la compra resultó en una desilusión, especialmente si la colección ya iba avanzada, pues de un lote grande de barajitas, apenas una sola era rescatable. Luego venía la aventura de intercambiar con los compañeritos de clase o, cuando las finanzas lo permitían, comprarlas. Las más difíciles de hallar podían valer hasta cinco barajitas. Todo era posible en ese mundo.

Años después, las imágenes de ese álbum las conservaría en un estupendo juego de memoria que me acompañó buena parte de mi niñez y adolescencia, hasta que en una de las muchas mudanzas que padecí, desapareció. El álbum de barajitas sobrevivió hasta el 2003, cuando un imprevisto ataque de comején me obligó a incinerarlo en una pira funeraria de tantos sueños y viajes imaginarios nunca concretados.

El coleccionismo de barajitas fue, ciertamente, un pasatiempo que consumió grandes cantidades de tiempo y dinero en mi niñez. No hubo álbum que circulara que yo no coleccionara. Además de los tradicionales de comiquitas (Popeye y sus amigos, Hanna Barbera, Festival Disney), el segundo que guardo en mi memoria es el de Vida y Color, que adquirí en 1973. Incluía cromos de plantas, animales, músculos, huesos y razas humanas. Era, prácticamente, una enciclopedia coleccionable.

Los cromos mostraban diferentes razas caninas y tipos de mariposas en coloridas ilustraciones.

Ya en quinto grado, más o menos en 1975, salió el álbum Venezuela en cromos, con el patrocinio de la Fundación La Salle. Gracias a él conocí los árboles emblemáticos, las aves, los animales y las zonas turísticas de nuestro país.

El tiempo me ha brindado la oportunidad de compartir este pasatiempo con mi hijo: Aún recuerdo cuando lo llevaba a una multitud que se apiñaba en el pasillo del Centro Comercial La Fuente para obtener las barajitas del Mundial de Fútbol Korea Japón 2002, y el de la Historia del Béisbol en Venezuela.

Tal vez con ello busqué perpetuar la ilusión de regresar a esa idílica infancia, en la que un sobre de barajitas podía garantizar la felicidad de un niño durante tooooodo un día completo. Y eso, la verdad sea dicha, nunca fue tarea fácil.

Sexy afiches de los 80

2011-12-27T11:13:00.001-08:00

Durante la década de los 80, las revistas de farándula venezolana usaron y abusaron de las imágenes de las nacientes estrellitas de nuestra televisión para ampliar su audiencia.

Por extraño que parezca, siendo que el perfil de lectores de estos productos editoriales era principalmente femenino, se produjo una explosión de chicas sexy que desde las brillantes portadas invitaban en los kioscos y librerías al público masculino a sumarse a su legión de seguidores.

Entre las más asiduas invitadas se encontraban las actrices y vedettes Marisela Buitrago, Carolina López, María Conchita Alonso, Cristina Reyes, Tatiana Capote, con ocasionales apariciones de Herminia Martínez, Caridad Canelón, Lila Morillo, Hilda Carrero, entre otras. Muchas de ellas me acompañaron en mi cuarto de adolescente, con miradas pícaras y vestuario sucinto. Aún conservo muchos de estos afiches, los cuales hoy comparto con ustedes:

El Mach 5 todavía corre

2011-12-22T14:51:00.001-08:00

Meteoro, el Rey de las Pistas en la televisión venezolana de los años 70, continúa vivo en la imaginación de un gran número de nostálgicos seguidores (incluido yo).

Una de las grandes incógnitas de mi infancia sólo pudo ser develada al llegar a mi adolescencia: ¿Quién tripulaba el Melange?. La culpable de esta duda casi existencial fue mi madre, quien me obligó a cenar justamente cuando iba a conocerse el misterio que rodeaba a este poderoso vehículo de carreras, que apenas superaba al imbatible Mach 5, conducido por Meteoro.

La historia del Melange es una de las más atractivas, para mi gusto, de todas las que ofreció la serie. El capítulo se inicia cuando un carro misterioso obliga a un choque fatal a un conductor y le deja una carta marcada con el número X3. Meteoro se involucra por casualidad en la investigación que desarrolla el inspector Detector cuando varios personajes relacionados con las carreras automovilísticas son seguidos y llevados fuera de la carretera en accidentes mortales.

Meteoro descubre que el carro es tripulado a control remoto con un robot como conductor, el cual choca con una señal de detención de trenes y queda atrapado. La voz del robot aún permanece en mi memoria: en la versión original en inglés, esta era metálica; pero en la versión en español fue sustituida por una voz tenebrosa que repetía: El Melange todavía corre.

Al investigar el coche misterioso, Meteoro recuerda el Melange como el nombre del caballo de Napoleón, que le salvó la vida varias veces en sus batallas (en realidad se llamaba Marengo, pero debido a la interpretación japonesa de la palabra francesa, el nombre de "Melange" fue así traducido). El padre de Meteoro, sin embargo, identifica el nombre de "Melange" como un coche conducido quince años antes por un joven conductor llamado Flash Marker. El Melange habia sido uno de los mejores carros de carreras identificado con el número "3". Durante la carrera en el Paso del Peligro, el vehículo junto a su conductor se estrelló fatalmente por maniobras de los miembros del Club Tres Rosas.

Desde entonces, el hijo del conductor, Flash Marker Jr, había planeado su venganza en contra de los integrantes del Club Tres Rosas, para lo que construyó un coche con un diseño elegante, negro y marcado "X3". El coche era conducido por control remoto y su conductor era el famoso maniquí robot que usaba las frases "El Melange todavía corre" y "El Melange está vivo" . El X3 chocaba deliberadamente a los afiliados con el Club para matarlos, dejando una carta marcada X3; y esperaba la oportunidad para perseguir a otros tres miembros del Club que no habían muerto todavía.

Mientras tanto, Flash Marker Jr. trasladó en secreto el coche siniestrado de la vía del tren y sustituyó en una fábrica secreta subterránea el cuerpo del vehículo con una réplica del Melange original, colocándole sobre el chasis del X3 para prepararse para la próxima carrera en el Paso del Peligro.

Ya que era el mismo carro con el chasis del Melange, el coche todavía podía ser controlado remotamente. De esta manera fue conducido por la hermana de Flash Jr., Lily, en contra de su voluntad, aunque en realidad era controlado por Flash Jr. desde su helicóptero. La venganza se concreta al chocar fatalmente a dos de los tres conductores del Club Tres Rosas, pero se estrelló con el último miembro del Club. Cegado por la emoción, Flash perdió el control del helicóptero y la aeronave se precipitó a tierra.

Para recordar este capítulo, los invito a pinchar aquí.
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Meteoro, un mito en las pistas de carreras

Las historias de Meteoro han contado con varias generaciones de seguidores. Este joven corredor de autos de carreras se presentó en las pistas televisivas en 1967. Meteoro, conocido en por los niños de habla inglesa como Speed Racer, conducía el Mach 5, un súper deportivo GT fabricado por su padre con excepcionales características.

Su familia estaba compuesta por su padre, su madre, su hermano mayor Rex, quien huyó de casa; y su hermano menor Chispita. Le acompañaban su novia Trixie, su amigo Bujía, quien era el mecánico exclusivo del auto; y su mascota Chito, un chimpancé que junto a Chispita hacían las gracias de la serie.

Rex, su hermano mayor, se fue del hogar familiar después de mantener una discusión con su padre porque éste tomó un auto que acababa de construir y compitió en una carrera sin su autorización. Rex ganó la carrera, pero perdió el control después de pasar la meta, destrozando el auto por completo. El hermano de Meteoro salió ileso y se acercó a su padre contento por haber ganado, pero éste le recriminó fuertemente por lo que hizo. Rex le dijo que le demostraría lo buen corredor que era y se marchó para nunca volver con su familia. Frecuentemente aparecía en la serie vestido como el corredor X, un enmascarado que cuando menos se lo esperaban se encontraba en la línea de carrera, cada vez que su hermano Meteoro competía. Ni Meteoro, ni su familia sabían que el corredor X era Rex. Además, trabajaba como agente especial.

Luego del éxito alcanzado por Osamu Tezuka con Astro Boy, Tatsuo Yoshida se unió con su hermano para crear los estudios Tatsunoko. Allí rescataron a Meteoro, que como Astroboy, originalmente también era un manga y lo convirtieron en anime.

En 1965 apareció por primera vez en la pantalla chica japonesa Las aventuras de Meteoro. Sólo se hicieron 52 capítulos ya que, como le pasó a muchas creaciones niponas, el mayor éxito lo consiguió posteriormente fuera de su país.

Cuando en 1967 Meteoro se convirtió en un producto de exportación y llegó a Estados Unidos, sus personajes cambiaron de nombre y, a su vez ,cuando a fines de los '60 y principios de los '70 la serie arribó a España, México y Sudamérica, volvieron a cambiar de nombre(aunque esta vez no todos).

Meteoro en el original se llamo Go Mifune (miembro de la familia Mifune); por eso tenia una M en el casco y una G en la capota; pero cuando desembarcó en Estados Unidos fue Speed Racer. Al llegar a Sudamérica, se transformó en Meteoro, respetando la inicial del casco.

El Mach 5 era el vehículo más potente creado hasta el momento, tal como lo describió muy bien el mismo Meteoro en el capítulo El Gran Plan. Cada botón activa una acción diferente para enfrentar situaciones difíciles, ya sea en las carreras o en algunas de las aventuras en las cuales se ve involucrado:

• El control A suelta potentes gatos automáticos.
• El B es un dispositivo que le posibilita mayor tracción en cualquier tipo de terreno, a la vez que motores individuales añaden 5000 caballos de fuerza a cada unidad.
• El dispositivo C se trata de poderosas sierras para usar en terrenos poblados de bosques.
• El botón D sella la cabina de mando y no permite que entre el agua.
• El E le permite usar unas potentes luces direccionables.
• El control F le sirve cuando esta bajo el agua para suministrarle oxígeno y desplegar un periscopio.
• El control G le da salida a un robot mensajero que lleva cartas o cintas al destino señalado.

Ficha técnica
Nombre Español: Meteoro
Nombre japonés: Mach Go Go Go
Nombre en inglés: Speed Racer
Año: 1967
Compañía: Tatsunoko Productions
Numero de Episodios: 53
Creador: Tatsuo Yoshida
Música: Nobuyoshi Koshibe
Género: Deportes, aventura
Personajes: Meteoro, Pops (Padre de Meteoro), Madre de Meteoro, Trixie, Chispita, Chito, Bujías, Rex/ Enmascarado X, Inspector Detector.

Preferiría no mencionar la versión fílmica realizada por los Hermanos Wachowski en 2008, la cual no llenó las expectivas. Mejor, despidamos a este héroe de mi infancia con el intro en español:

Yo amo a Pierina

2011-12-01T19:23:00.000-08:00

Mi primera novia se llamó Pierina España. Claro, ella nunca se enteró de ese amor adolescente, ni tenía por qué hacerlo. Ella era una actriz de televisión que en los años 70 empezaba a desarrollar su carrera histriónica, en papeles de contrafigura junto a José Luis Rodríguez, en La hija de Juana Crespo (1977), como una madrastra de muy buen ver; o en aquella osada escena de cama, antológica para los patrones de la televisión local, junto al entonces joven político Leonardo Montiel Ortega, ex senador de la República, en el primer capítulo de la telenovela TV Confidencial (1977). En esos tiempos no andaba yo preocupándome ciertamente de los entresijos del melodrama televisivo, pero sí me entusiasmaba ver a esa belleza venezolana con raíces europeas que tan bien encarnaba el mito de que los caballeros las preferimos rubias.

Pierina aún no se prodigaba como figura de primera magnitud en la pequeña pantalla, pero las revistas de farándula ya daban cuenta de su atractivo. Tendría que esperar hasta abril de 1979, cuando RCTV la tuviera de protagonista en la teleserie escrita por Julio César Mármol, Sangre Azul. Allí encarnaría a una especie de Scarlet O´hara criolla que persigue a José Luis Rodríguez en plena Guerra Federal. Le acompañaban Carmen Julia Álvarez y Jean Carlo Simancas, un compañero recurrente de reparto en otras producciones como Sonia, Tormento o Silvia Rivas, divorciada.

Más allá de elogiar la excelente versión de una novela de época, recuerdo mi entusiasmo cuando fueron publicadas las fotografías tomadas por Adelio Paglione para la revista Venezuela Farándula, que la mostraban en picaresca ropa interior del siglo XIX. Nunca se le vio tan bella, ni siquiera en Estefanía, su consagración como máxima estrella dramática de RCTV de finales de los 70, acompañada nuevamente por José Luis Rodríguez, aparentemente una pareja que le garantizaba el éxito.

Iniciados los 80 y sin previo aviso, luego de la novela Muñequita y la miniserie Mi hijo Gabriel, Pierina se retiró para iniciar una feliz vida de casada junto al banquero Alfredo Gómez Ruíz, lejos de los reflectores y el ajetreo propio de las estrellas televisivas.

En enero de 2010, Pierina concedió lo que es hasta la fecha su última entrevista a un medio impreso. Le correspondió al colega Néstor Luis Llabanero conversar con ella para un reportaje de la revista dominical Estampas, del diario El Universal. Allí reiteraría que había abandonado la televisión por amor y que durante esas dos décadas de ausencia había disfrutado de una feliz vida de pareja, lamentablemente truncada por la muerte de su cónyuge. Las fotografías demostraban que aún se conservaba bella, como en sus mejores días de protagonista.

"Yo no busco regresar", confesaría al periodista, "pero si de repente me presentas un proyecto que me haga así, plin (une sus dedos y los suena) y que sea algo de verdad acorde con mi persona, con mi edad, donde no me exponga al ridículo, yo lo pienso. Lo que no quiero definitivamente es hacer televisión".

¿Por qué?
"Porque la televisión no va a pagarme lo que yo quiero".

¿No sería un momento para reclamar la dignidad que tú le otorgas al oficio de las actrices?
"No lo sé. Todo en mí es que me dé un pálpito, porque yo no voy a echar a perder mi trabajo de Estefanía por cualquier propuesta. Sería estúpido e irresponsable de mi parte hacerlo. Uno no puede desilusionarse ni desilusionar a la gente que tiene un amor por el trabajo que uno hizo".

Mientras tanto, no nos queda si no recordarla con esa nostalgia por los amores perdidos, esos que de tanta inocencia nos inducen a una sonrisa.

Reabren caso de la muerte de Natalie Wood - Cine - EL UNIVERSAL

2011-11-20T19:51:00.000-08:00

Reabren caso de la muerte de Natalie Wood - Cine - EL UNIVERSAL

30 años sin Natalie

2011-10-23T20:14:00.000-07:00

El próximo 29 de noviembre se cumplen 30 años de la trágica muerte de Natalia Nikolayevna Zajarenko, conocida en el mundo del espectáculo como Natalie Wood.

Nacida en San Francisco, California, el 20 de julio de 1938, de padres emigrantes rusos, fue registrada a los cuatro años bajo el nombre de Natasha Gurdin. Estrella infantil angelical en la década de los 40, es recordada su participación en la película navideña Milagro en la calle 34 (también conocida como De ilusión también se vive) y en el clásico El fantasma y la señora Muir, dirigida por Joseph L. Mankiewicz y protagonizada por Gene Tierney, Rex Harrison y George Sanders.

La transición de Natalie a estrella adolescente se dio exitosamente, al protagonizar Rebelde sin causa, junto al malogrado James Dean. West Side Story y Esplendor en la hierba consolidaron su posición artística. Gipsy, en la cual encarnaba a Gipsy Rose Lee, artista del género burlesque; y Amores con un extraño consolidaron su posición como actriz adulta. Ya a finales de los 60, sus apariciones en el cine comenzaron a escasear, lo cual se evidenció aún más en los años 70.

En la televisión encarnó el rol que hiciera célebre a Deborah Kerr en "De aquí a la eternidad", una versión para la pequeña pantalla de la novela de James Jones, realizada en 1979; y que contó entre sus protagonistas a William Devane y Kim Basinger.

Su inesperada desaparición física, a los 43 años, estuvo rodeada de rumores: se produjo al caer al agua del yate The Splendor, lo cual provocó su muerte por ahogamiento. Una pérdida lamentable, pues se encontraba en la plenitud de su belleza, aunque su última película "Proyecto Brainstorm" no haya estado a la altura de su sensibilidad y de su potencial artístico.

Quizá una de las escenas que más me gusta de ella es cuando lee el poema de Wordsworth en Esplendor en la hierba. Nunca se le vio tan indefensa y tan bella. Para recordarla, les dejo este video:

Érase una vez un tonto...

2011-09-01T20:41:00.001-07:00

Todo comenzó con la mirada enigmática, enmarcada por unas ojeras profundas, que observaba sin ver desde las dimensiones reducidas de un afiche. La voluptuosidad femenina se desbordaba en una imagen de lo que el Hollywood de los años veinte suponía como una reina egipcia. El rebuscado exotismo, lo recargado de la ambientación, no desviaban la atención de sus ojos penetrantes, de “mujer de mundo” forzada por el disfraz que “El Hombre” le había asignado para ocultar sus propios miedos ante la figura femenina.

¿Quién era? La pregunta no encontró respuesta fácil, a pesar de su prolongada popularidad como referencia de mujer fatal. La vampiresa devino en personaje harto estudiado como ejemplo de la transmutación del ideal femenino en contraposición a las vírgenes, virtuosas y decentes que poblaron el cine de los primeros tiempos. Era la “otra mujer”, siempre a la búsqueda de nuevas víctimas a quien esclavizar con el arma de su pasión devoradora.

Desde entonces, la obsesión tomó cuerpo de mujer. Surgieron nombres inesperados: Theda Bara, la Cleopatra que nos miraba desde la blancura contradictoriamente inmaculada de la pared; Asta Nielsen, Lya de Tutti, Louise Brooks, Bárbara La Marr, Valeska Surat, Brigitte Helm, Francesca Bertini, Lyda Borelli, Pina Menichelli, Musidora… hasta llegar a los más conocidos: Marlene Dietrich, Gloria Swanson, Greta Garbo, Jean Harlow y Mae West.

Seductoras de celuloide, atrapadas en esa curiosa aventura a 24 cuadros por segundo que nos inmoviliza ante una gigantesca pantalla cinematográfica. A ellas, víctimas y victimarias, este homenaje, mínima síntesis del por qué de su existencia. Para leer más, haz click aqui

La noticia que nunca fue

2011-08-27T12:19:00.000-07:00

En junio de 1986, mientras cursaba la cátedra Práctica Profesional II, para obtener la licenciatura en Comunicación Social mención Periodismo Impreso, se me ocurrió realizar una entrevista a Emerio Darío Lunar para cumplir con una de las actividades asignadas en el curso. No era la primera vez que lo hacía, pues cada vez que por alguna razón no encontraba un personaje acorde para los ejercicios reporteriles requeridos, acudía a él, quien siempre fue receptivo a mis solicitudes. Lamentablemente, esta información nunca fue publicada y es hoy, venticinco años después de aquella conversación y veinte posterior a su muerte, cuando me he animado a compartirla con ustedes. Espero les guste.

Emerio Darío Lunar: "Maracaibo empieza a aceptarme"

Emerio Darío Lunar tiene razones para sentirse satisfecho. Además de ser protagonista de un Cuaderno Lagoven en la Pantalla, transmitido recientemente por los dos canales de televisivos del Estado y por canal 11 del Zulia, su exposición en la galería 700, en Maracaibo, fue todo un éxito. Tan sólo el primer día vendió todas sus pinturas.

"Realmente, me fue muy bien", dice con humildad, con su hablar casi ininteligible y su gesticulación característica. Su figura nos recuerda en algo a Reverón, ese mago de la luz: barba poblada y pelo largo entrecano, sin camisa y con esa mirada triste, difícil de olvidar, en la cual parece querer esconder los mil y un secretos. Tal vez por ello, en su última visita a Caracas, se escudó todo el tiempo detrás de unos anteojos oscuros que sirvieron de inspiración a RAS para una estupenda caricatura, publicada en su columna en el diario El Nacional.

Su casa se asemeja a un museo, con cuadros tapizando todas las paredes. Y desde ellas, sus mujeres, mirándonos. "Son como mis hijas", nos dijo alguna vez. Ahora las vemos recostadas, sentadas, de pie, pero siempre con esa mirada vaga, curiosa, impenetrable... ¿La mirada del pintor, tal vez?

Lunar habla de su satisfacción por la receptividad encontrada en Maracaibo. "Debe ser que ya se están acostumbrando a mí, que empiezan a aceptarme", especula y da una chupada a su cigarrillo. En el taller improvisado donde trabaja, con pinceles, pinturas y periódicos regados en el piso, una mujer -¡Cuándo no!- le mira de soslayo, mientras él se eterniza a sí mismo en la tela como una estatua clásica.

"Me estoy haciendo publicidad", bromea. Y su risa llena toda la habitación; más allá, su hermana María nos mira, como queriendo intervenir en la conversación.

- ¿Proyectos? Tal vez haga una exposición en octubre en la galería Euroamericana, en Caracas. Ambrosino (el dueño de la galería)está interesado en hacer otra en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (MACC), pero desea obras grandes y yo no las quiero hacer.

Lunar ha vendido todos los cuadros recientes, luego de tenerlos apilados un buen tiempo en su casa y se siente complacido por ello. No quiere trabajar demasiado. "Me duele mucho la vista y me voy a quedar ciego pintando", se disculpa, mientras da otra mirada a la mujer del cuadro.

Cabimas es nuevamente visitada por el sol zuliano, cuando el pintor retoma sus fantasmas y nosotros nos alejamos de su casa-museo.

Secreta pasión pública

2011-08-24T19:53:00.000-07:00

No sé aún determinar cuándo, conscientemente, empecé a amar esa serie de imágenes animadas, sucesión de fotografías a 24 cuadros por segundo que llamamos cine. Sentado en una butaca, frente a una inmensa pantalla blanca, tal vez fue ese parpadeo de luz que, en su tartamudez casi imperceptible, desplegó más vida de la que hubiese soñado jamás en un pequeño pueblo provinciano con título de ciudad.

De dibujos animados a grandes epopeyas bíblicas, pasando por un escarabajo en cuatro ruedas llamado Herbie, el cine era para mí el pasaporte a un lugar insospechado donde la gente vivía aventuras extraordinarias, tanto que nosotros, seres comunes, debíamos rendirles tributo como espectadores en salas de tercera categoría.

No había “nombres”, sólo “gente” que se deslizaba en ese raudal de luz desbordada hasta la impoluta pantalla a través de la minúscula ventanilla del saloncito de proyecciones.

Un día, unas piernas descubiertas por el indiscreto aleteo de una falda plisada color champagne, me sugirió que quizá esos seres podían ser reales; que detrás del personaje de turno y el rostro en close up también tenían una vida propia, un nombre: Marilyn Monroe Clark Gable, James Dean, Greta Garbo, Marlene Dietrich, Jean Harlow. Nombres extraños, sugerentes, que salían de mi boca a veces como un susurro, otras como un latigazo. Confundidos los personajes con la persona, representaban seres refinados y mundanos, extraordinarios amantes, con figuras que parecían no ser de este mundo, de tan perfectas que eran.

He amado el cine desde que tengo conocimiento de mí mismo. Con el cine he reído, me he enfadado, he llorado, he soñado…Con y por el cine aprendí a leer en imágenes, a reflexionar, a crear y a creer que hay mundos posibles más allá de nuestra realidad, en ocasiones sórdida.

Lo triste del cine es que cuando aprendes a disfrutar una buena película, se hace muy difícil soportar las historias sin vida con las que nos quieren acostumbrar muchos cineastas de hoy. Después de todo, cuando aprecias un buen vino, los malos te saben a vinagre.

Ese vestidito blanco...

2011-08-06T20:31:00.000-07:00

En el mundo femenino, siempre se habla del vestidito negro como el elemento infaltable en el guardarropa de toda mujer para salvarla en cualquier ocasión. Sin embargo. ninguna prenda de vestir ha ganado tanta fama como el vaporoso vestido blanco con el que Marilyn Monroe conmocionó el mundo del espectáculo en 1955, en aquella famosa escena de La comezón del séptimo año (The seven year itch, en su título original, dirigida por Billy Wilder), en la cual su falda aletea gracias al metro de Nueva YorK.

En un momento de la película, cuando Marilyn se acerca a una rejilla del metro, su vestido con pliegues se eleva hasta el aire dejando al descubierto sus piernas, una escena mítica que ha sido recreada infinidad de veces y que ha pasado a formar parte del conjunto de imágenes icónicas que nos ha brindado el cine. La figura silueteada de la Monroe fue utilizada en las estrategias promocionales del film, incluyendo su colocación en avisos de gran tamaño en las ciudades donde era proyectada la cinta, como esta en Nueva York, el año de su estreno.

Uno de sus biógrafos relata la anécdota según la cual un ofuscado Joe DiMaggio, para la época segundo esposo de la actriz, quien se encontraba en plena filmación de la escena junto a una multitud de curiosos y representantes de los medios, trató de abandonar el lugar, pero fue detenido por los periodistas, uno de los cuales se le ocurrió el comentario: "Qué le parece que Marilyn enseñe más de lo que había enseñado hasta ahora, Joe...?". DiMaggio no contestó y se retiró del sitio. Dos semanas más tarde, cuando ella regresó a Los Ángeles, anunció a la prensa que estaba en trámites de divorcio.

Con los años, el vestido blanco pasó a formar parte del imaginario colectivo. El caricaturista Al Hirschfeld inmortalizó a Marilyn con su estilo característico:

Betty Boop tampoco se quedó atrás:

Donna Summer la emuló en 1976 en su album Four Seasons of Love:

Kelly Lebrock también rindió su particular homenaje, de la mano de Gene Wilder, en The woman in red (1984):

En 2010, Lindsay Lohan completó su participación en la película de bajo presupuesto “Underground comedy 2010”, donde caracterizó a Marilyn Monroe y recreó nuevamente la famosa escena:

El 19 de junio de 2011, los medios de comunicación anunciaron que esta prenda había sido vendida por 4,6 millones de dólares (unos 3,2 millones de euros), convirtiéndose en la estrella de la subasta de recuerdos de Hollywood que había celebrado la noche anterior la casa Profiles in History, en Calabazas (California). Fue la primera parte de la venta de la colección privada de la actriz Debbie Reynolds, que incluye 3.500 vestidos, 20.000 fotografías originales y varios cientos de pósters de películas y objetos relacionados con la industria.

Sin embargo, quizá el triunfo definitivo del famoso vestidito blanco lo constituyó la presentación el pasado 15 de julio de la escultura “Forever Marilyn”, del artista Seward Johnson, la cual fue inaugurada en Chicago, Estados Unidos de Norteamérica. El artista construyó la obra, de ocho metros de alto y 15.400 kilos de peso, utilizando aluminio y acero inoxidable. Será exhibida en Chicago hasta la primavera del 2012.

A Marilyn y, especialmente, a Billy Wilder, les habría encantado verse nuevamente en el ojo público de manera tan contundente.

Para cerrar, mi homenaje personal a tan tierna escena y la secuencia original de la película:

Más que sellos en el pasaporte

2011-05-31T17:16:00.000-07:00

Se define a sí mismo como el Marco Polo maracucho y razones tiene para compararse con el gran explorador veneciano del siglo XIII e insigne narrador de sus aventuras de viaje. Ciertamente, William Linares ha acumulado sellos en su pasaporte por el simple placer de conocer nuevas culturas, admirar monumentos y maravillas naturales de nuestro mundo, en un afán por sumar experiencias que le permitan crecer como persona y como periodista, su verdadera profesión.

Ha visitado 41 países en total: España, Francia, Italia, Holanda, Alemania, Suiza, Austria, Principado de Mónaco, Estado del Vaticano, Bélgica, Principado de Luxemburgo, Finlandia, Noruega, Dinamarca, Suecia, República Checa, Polonia, Hungría, Portugal y Grecia, en Europa; Marruecos y Egipto,en África; Israel, Palestina, con breves estancias en Arabia Saudita y Qatar, en el Medio Oriente; Rusia, en el continente Euroasiático; Taiwán, Japón, República Popular China, Corea del Sur, Hong Kong, Macao, Tíbet, India, Nepal, Tailandia, Malasia, Singapur y Laos, en Asia; Estados Unidos y Canadá, en Norteamérica; y Aruba y Colombia, en Suramérica.

Escenarios tan diversos como el Museo del Louvre, la Torre Eiffel, la gran Muralla China, el palacio de Buckingham, el Taj Mahal, el palacio de Versalles, la Torre inclinada de Pisa, las ciudades de Nueva Órleans y Boston, la Estatua de la Libertad, Nueva York, Nueva Delhi, entre muchos otros, han sido disfrutados por este maracucho, nacido en la Maternidad Castillo Plaza y quien actualmente reside en el sector Valle Frío, a escasas cuadras del tradicional barrio de Santa Lucía, desde donde imagina el próximo viaje que le llevará a explorar nuevos horizontes.

Anécdotas acumula por montones, desde una pernocta clandestina en Moscú, con la visa para entrar al país vencida, hasta presenciar los lamentables sucesos del 11 de septiembre de 2001, con vista en primera fila del derrumbe de las Torres Gemelas en Nueva York. Sin embargo, preferiría dejar que sea él mismo, con su propia voz, quien narre estas experiencias en unas crónicas que aún nos debe y que, por supuesto, algún día se aprestará a escribir.

William nunca olvida compartir sus vivencias de viaje con sus familiares y amigos, no sólo mostrando sus abultados álbumes de fotografías, si no además en objetos que obsequia con espíritu generoso. Sin embargo, lo verdaderamente particular es su colección de tazas (mugs) que ha traído de cada uno de los países que ha visitado, las cuales ya ascienden a más de cien.

Este ciudadano del mundo, quien por primera vez se transportó en un avión a los 9 años de edad, en un pequeño aparato bimotor desde Santa Bárbara del Zulia con destino hacia Maracaibo, hoy se dedica a la enseñanza del inglés en un instituto educativo privado en Maracaibo, lejos ya de las labores como comunicador corporativo que desempeñó en PDVSA hasta el año 2003.

La capital zuliana, ciertamente, ha ofrecido un gran número de personajes que se han dado a la tarea de explorar nuestro planeta. William, junto a otros buenos amigos como Mirna Chacín, Luis Gómez, Mirem De Ondiz y Laura Fernández, entre otros trotamundos, son prueba de ello. Sin embargo, quiero dedicar este primer post de gente que viaja a mi compadre William Linares, por su reciente cumpleaños, con la recomendación que el slogan de la extinta línea aérea Pan Am hiciera a través de sus comerciales en la TV venezolana de los años 70: "Vámonos, diga adiós, el mundo te espera, vamos a volar"...

Los 85 años de Norma Jean

2011-05-28T09:06:00.000-07:00

De no haber sucumbido a la letal combinación de barbitúricos ingerida en la madrugada del 5 de agosto de 1962, Norma Jean Baker (o Mortenson), conocida por todos como Marilyn Monroe, estaría cumpliendo 85 años este 1 de junio de 2011.

Sobradamente conocidas han sido su triste infancia, sus esfuerzos para llegar al estrellato en Hollywood, sus amores fallidos y su prematura desaparición, cuando apenas contaba con 36 años. Como otros actores que murieron a temprana edad (Valentino, Harlow, Dean), Marilyn abandonó su vida terrenal para inmortalizarse en el olimpo cinematográfico como la Diosa del Amor. Paradójico nombre para quien este sentimiento nunca le fue perdurable.

Marilyn, quien en algún momento dijo: "Hollywood es el lugar donde te pagan mil dólares por un beso, y treinta y cinco centavos por tu alma", no se sorprendería al saber que el pasado 14 de enero de 2011, la viuda de Lee Strassberg vendió los derechos de su legado a Authentic Brands Group LLC (ABG), una compañía de gestión de propiedad intelectual, y NECA, especializada en la promoción mediática. Anna Strasberg se había convertido en la única gestora de los bienes que la estrella había dejado a su admirado profesor de interpretación, así como de los derechos sobre el nombre y la imagen de Marilyn Monroe. A 85 años de su nacimiento, nuevamente es tratada como mercancía, tal como ocurrió durante sus años como actriz.

Aunque ninguna de las partes quiso develar el importe de la operación, se aseguró que había estado ligeramente por debajo de los 50 millones de dólares. Otras estrellas fallecidas hace ya muchos años siguen generando grandes cantidades de dinero, como Elvis Presley, que produce unos 60 millones de dólares, frente a los 4 millones de Monroe. No obstante, según la revista Forbes, Marilyn no está aún entre los más ricos del cementerio, un liderazgo que ostenta Michael Jackson, cuyos ingresos, de 275 millones de dólares, superaron en 2009 incluso los acumulados por Lady Gaga (62 millones), Madonna (58) y el matrimonio formado por Jay-Z (63) y Beyoncé (87.

La longevidad de las divas

Muchas de las actrices del Hollywood clásico han sido sorprendentemente longevas. La decana de ellas es Luise Rainer, quien el pasado mes de enero cumplió 101 años. Esta sensible actriz alemana, nacionalizada estadounidense, ostenta el récord de ser la más joven, a los 28 años, en haber ganado dos premios Oscar de manera consecutiva, en 1936 y 1937.

Leyendas del cine silente superaron fácilmente la barrera de los 70 años: Mae Murray murió a los 75 años en 1965; Louise Brooks falleció a los 78 años, en 1985; Gloria Swanson a los 84 años, en 1983; Pola Negri a los 89 años, en 1987; Mary Pickford a los 87 años, en 1979; Greta Garbo a los 84 años, en 1990; Marlene Dietrich(en la foto con MM) a los 90 años, en 1992. Sin embargo, dos divas emblemáticas como Theda Bara y Clara Bow no llegaron a las siete décadas: la primera murió a los 69 años en 1955; y la segunda a los 60 años, en 1965.

La edad se acorta en los llamados símbolos sexuales del cine: la más joven fue Jean Harlow, quien murió a los 26 años en 1937. Jayne Mansfield sucumbió a un trágico accidente automovilístico en 1967, a los 36 años. Cinco años antes, Marilyn dejaba este mundo a los 36 años también. Verónica Lake murió a los 50 años en 1973 y ese mismo año nos dejaba otra rubia, ícono de los años 40, Betty Grable, a los 56 años. Diana Dors, la competencia británica de Marilyn, murió a los 53 años en 1984. Rita Hayworth nos dejó en 1987, a los 68 años; y Ava Gardner en 1990, a los 67 años. Las excepciones: la chica del suéter, Lana Turner, quien murió a los 74 años en 1995; Mae West, a los 87 años, en 1980; Cyd Charisse y Jane Russell.

De las grandes estrellas que resplandecían junto a Marilyn en la década del 50, sólo Natalie Wood y Grace Kelly no llegaron a alcanzar una edad avanzada, pues la primera murió ahogada a los 43 años en 1981; y la segunda falleció a los 52 años en un accidente automovilístico en 1982. Otra diva de esa época, Audrey Hepburn, murió de cáncer en 1993 a los 63 años.

A continuación le mostramos a algunas de las estrellas contemporáneas con Marilyn, para hacer un ejercicio mental de cómo sería la llamada "Rubia eterna":

Jane Russell murió el 28 de febrero de 2011, a los 89 años:

Cyd Charisse falleció a los 87 años en 2008:

Eva Marie Saint, compañera de Brando y Cary Grant, todavía sigue activa a los 87 años:

Gina Lollobrígida se muestra de vez en cuando al público, a sus 83 años:

Mamie Van Doren se cree sexy a los 80 años (la foto es prácticamente reciente):

Elizabeth Taylor falleció el 23 de marzo pasado a los 79 años:

Anita Ekberg, otra de las rubias sexys de los 50, mito erótico gracias a la Dolce Vita, de Fellini, a los 79 años:

Kim Novak, sucesora de Marilyn, aún vive a los 79 años, dedicada al arte. La imagen es de 2004:

Brigitte Bardot, ferviente defensora de los animales, acusada por algunos como homofóbica y racista, a los 76 años:

Sofía Loren, aún vigente en la pantalla cinematográfica, a sus 76 años:

Ursula Andress, una jovencísima starlet en los 50, actualmente cuenta 75 años:

Claudia Cardinale, la actriz tunecina es la más joven del grupo, a sus 73 años:

Hurgando en la red, conseguimos estas dos versiones de una Marilyn Monroe anciana:

La duda quedará por siempre, pero hoy por lo menos podemos honrar su memoria, tal como nos dejó hace casi 50 años. ¡Por Marilyn, salud!

Cuando el arte cobra vida propia...

2011-04-30T17:44:00.000-07:00

En 1863, el pintor francés Édouard Manet presentó la obra titulada originalmente Le Bain (El Baño) y que luego sería conocida como Le Déjeuner sur l'herbe (Almuerzo sobre la hierba) para el Salón Oficial de París. Era un cuadro al óleo de gran formato, pues mide 208 cm de altura y 264,5 de largo.

Vista hoy en día, la pintura pasaría por cándida. Sin embargo, el jurado encargado de seleccionar las obras para el salón la rechazó por estar en desacuerdo con la escena, junto a otras 2.000 obras de diferentes artistas. La ganadora de ese año sería el Nacimiento de Venus, de Cabanel. En lo que muchos consideran un acto propagandístico de Napoleón III, se creó con el conjunto de cuadros rechazados una exposición paralela, llamada el Salon des Refusés o de los Rechazados, con el objetivo de que el público pudiera juzgar por sí mismo por qué no fueron aceptadas.

El almuerzo sobre la hierba causó gran escándalo entre la sociedad de la época, pues se acostumbraba a ver desnudos para recrear situaciones mitológicas o alegorías. Acá, por el contrario, podía reconocerse perfectamente a los modelos, en una situación cotidiana que nada tenía de heróica o mitológica: la modelo Victorine Meurent se encontraba junto al escultor holandés Ferdinand Leenhoof -hermano de Suzanne, futura esposa de Manet- y del hermano del artista, Gustave. Los tres se sitúan entre los árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que sale del baño; la mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda, junto a una cesta de fruta.

Se consideraba vulgar el que una mujer estuviera desnuda junto a jóvenes vestidos, además de que numerosos críticos rechazaron la modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo. Lo interesante es que mucha gente se concentraba en el tema que se presentaba, algo que para Manet carecía de importancia, pues como lo señalaba el escritor Émile Zola en 1867:

"Los pintores, y especialmente Édouard Manet, que es un pintor analítico, no comparten la obsesión de las masas por el tema: para ellos, el tema es sólo un pretexto para pintar, mientras que para las masas sólo existe el tema"

Los jóvenes artistas de la época se identificaron con la obra; la apreciaron como un ejemplo del arte de vanguardia que aspiraban y se agruparon en torno al artista. Más tarde, este grupo conformaría lo que hoy conocemos como Impresionismo. En todo caso, esta obra es considerada como un punto de quiebre con el arte académico y tradicional.

Actualmente, El almuerzo sobre la hierba se exhibe en el Museo de Orsay de París. Pasado más de un siglo, las opiniones han cambiado. La obra de Cabanel todavía es admirada como una muestra del arte académico, pero es una respuesta fría comparada con la emoción que despierta la pintura de Manet, si consideramos todas las interpretaciones y recreaciones de las cuales ha sido objeto en el transcurso de los años.

Empezamos con una visión propia realizada por otro grande de la época, Monet, en 1866:

A continuación, una de las muchas versiones que hizo Pablo Picasso de la obra:

Varios fotógrafos han recreado la escena, con modelos vivos. Los integrantes de la banda inglesa Bow Wow Wow posaron de esa forma para la portada de uno de sus discos, pero fue censurada porque la modelo apenas tenía 14 años para la época:
Otros, como Paco Jarque, también le dan vida al famoso cuadro:

Pero las recreaciones continúan y pasan desde lo muy real, hasta lo irreal, en el cual las figuran centrales pueden ser seres vivos, comics, extraterrestres, personajes de Los Simpson o unos gorilas:

Por si acaso a alguien le quedara alguna duda, la obra de Manet sigue hoy en día tan vigente como hace casi siglo y medio atrás.

De Best-sellers a miniseries memorables (II)

2011-04-21T13:02:00.000-07:00

Los últimos días de Pompeya (1984)
Realizada por la cadena ABC, se señala que Los últimos días de Pompeya fue más fiel al libro original que las versiones cinematográficas anteriores y también la más cara de todas, con un presupuesto de 19 millones de dólares y un reparto de conocidas estrellas.

La historia recuenta los acontecimientos previos a la erupción catastrófica del volcán Monte Vesubio en el año 79 antes de Cristo. Tanto la serie como la novela están llenas de personajes vistosos ficticios: el ateniense Glaucus (Nicholas Clay), el fanático religioso egipcio Arbaces (Franco Nero), y el poderoso gladiador Lydon (Duncan Regehr), todos ellos compitiendo por el amor de la noble Ione (Olivia Hussey) y la humilde esclava ciega Nydia (Linda Purl).

También están actores conocidos como Ned Beatty, quien interpreta al comerciante rico Diomedes; la bellísima Lesley-Ann Down como la cortesana bailarina de vientre Chloe, y un puñado de estrellas del mundo teatral como Laurence Olivier y Anthony Quayle.

Aunque la crítica no fue muy benevolente, la audiencia siguió con interés esta miniserie realizada en 1984. Fue transmitida en nuestro país por RCTV.

A continuación un enlace al capítulo de la erupción del Monte Vesubio:

Sangre y orquídeas (1986)

Hester Murdoch, una bella joven casada y proveniente de una influyente familia, es encontrada desnuda y golpeada casi a morir por cuatro jóvenes hombres hawaianos en la playa. Aunque algunos de ellos estaban en desacuerdo, es llevada al hospital.

La preocupación de los jóvenes era verse implicados, temiendo ser culpados, porque ella era blanca, en una sociedad donde los nativos tenían grandes desventajas en comparación con la minoría blanca dominante. Casi de inmediato, se levanta la sospecha sobre ellos como posibles culpables.

Cuando Doris Ashley, la madre de Hester, mujer políticamente muy influyente en la isla, averigua lo que realmente pasó, obliga a su hija a culpar de violación y paliza a los hombres que la rescataron, aunque eran inocentes, temiendo un escándalo.

Corresponde entonces al detective Curtis “Curt” Maddox y al abogado hawaiano que le acompaña descubrir qué realmente pasó y hacer hasta lo imposible para convencer a un tribunal de justicia, integrado por ciudadanos blancos, de que ellos son inocentes.

El elenco reunía figuras muy conocidas, como Kriss Kristofferson, en el rol del capitán Curtis Maddox; una muy joven y bella Madeleine Stowe como Hester Ashley Murdoch; una jovencísima Sean Young; el veterano José Ferrer, la siempre consecuente figura televisiva Susan Blakely, entre otros. Mención especial merece una espléndida Jane Alexander encarnando a Doris Ashley, mujer calculadora y fría.

Sangre y Orquídeas fue transmitida por Venezolana de Televisión.

Raíces (1977)

La saga de Alex Haley acerca de sus antepasados emocionó a los venezolanos a finales de la década de los 70. Kunta Kinte, raptado en África y esclavizado en América en 1767, se negó a aceptar su nombre de esclavo, Toby. Mantuvo un espíritu reacio a ser doblegado por el explotador hombre blanco que le costó parte de un pie.

Sus sucesores mantuvieron vivo su heroico sentido de rebeldía, susurrando el nombre de Kunta Kinte de una generación a otra hasta que esta llegó a los oídos de Haley -un muchacho que crecía en Tennessee- y que se dio a la tarea de investigar sus raíces y divulgarlas con orgullo por el mundo entero, primero a través de una popular novela y luego en esta miniserie, que tuvo tres partes: Raíces (1977), Raíces: las nuevas generaciones (1979) y Raíces: el legado (1988).

La primera tuvo mayor repercusión en nuestro país, durante su transmisión por RCTV en horario de 8:00 pm. Esta popular producción de David L. Wolper, tuvo como directores a Marvin J. Chomsky, John Erman, David Greene, Gilbert Moses, Georg Stanford Brown, Charles S. Dubin y Kevin Hooks. Raíces tuvo un reparto estelar, que incluyó los más celebrados y representativos actores afroamericanos y figuras legendarias del cine, tales como Ed Asner, LeVar Burton, Cicely Tyson, John Amos, Olivia de Havilland, Paul Koslo, Henry Fonda, Georg Stanford Brown, Fran Bennett, Avery Brooks y Brandy Brown. TCM la retransmite de vez en cuando.

Acá pueden ver el capítulo 1:

Sombrita: justicia multiplicada

2011-04-09T12:03:00.000-07:00

Si hay una serie sombría en los dibujos animados japoneses, ésta era Sombrita. La historia trataba sobre un luchador justiciero que descansaba en una cúpula de vidrio. Un día es despertado de su prolongado sueño. Los Guardianes del Templo le advierten sobre la amenaza de Goster, conocido en Brasil como Espectro, un ser demoníaco de orejas puntiagudas y filosos colmillos. Goster actuaba siempre acompañado de su mascota: un gato parlanchín al que le gustaba dar órdenes.

Sombrita tenía la habilidad de crear copias o sombras de sí mismo, algo que confundía a sus rivales. También poseía una daga que se convertía en espada y lanzaba rayos luminosos de su empuñadura.

Su grupo justiciero estaba compuesto por el profesor Polker, comandando su "Nave Iónica" y por su mascota Pokey, un perro con gafas. Posteriormente Sombrita contaría con la ayuda de un niño llamado Rocco.

El inicio

Un soldado, gravemente herido, intenta cumplir su última misión: encontrar al joven Sombrita, que duerme en una Cúpula del Tiempo. Después de hacerlo, el soldado cuenta que Sombrita fue dejado allí para que un día pudiese suceder a su padre en la lucha contra el mal. En el país de Sombrita murieron enterrados en una batalla contra Roms, señor del mal. Sombrita debe sustituir a su padre en la lucha contra el hijo de Roms, Goster. El soldado informa a Sombrita que escondida en una escultura de Esdra, había una espada mágica que sólo debería ser usada para defender el bien.

Goster desea dominar al mundo y, a pesar de todos sus poderes, planea robar un artefacto creado por el profesor, el "cilindro atómico", que concentra una energía enorme y le permitiría alcanzar su objetivo.

En el primer encuentro, Goster no consigue el cilindro, desistiendo enseguida pero prometiendo un nuevo encuentro. Goster prepara una trampa para Sombrita y durante la lucha, el gato rapta al profesor. Ya en su caverna, el señor del mal intenta convencerlo para entregar el cilindro, ofreciéndole poder y riqueza. Como el profesor rehusa, Goster lo hace tener horribles pesadillas, tanto que termina agotado.

Goster se transforma en un murciélago y anuncia un ultimátum: o Sombrita entrega el cilindro o el profesor muere. Nuestro héroe parte para la Isla de la Calavera para salvar al profesor pero cae prisionero. Goster amenaza con matar a Sombrita si el profesor no entrega el cilindro.

Goster se lleva al profesor en cuanto deja a Sombrita siendo envenenado con un líquido venenoso. Pokey va a la isla, encuentra y salva a nuestro héroe. El profesor se rinde y entrega un cilindro a Goster. La verdad es que es un cilindro falso que explotará al ser accionado. Sombrita llega e intenta rescatar el cilindro, pero Goster es más rápido y lo instala. A pesar de ser alertado para que no lo activara, Goster manipula el cilindro el cual, por supuesto, explota. Nuestros amigos intentan escapar en la nave del profesor. Goster sale detrás de ellos para capturarlos. Se produce una violenta batalla, en la que resulta vencedor Sombrita. Goster se va, prometiendo no desistir. Por fin, la isla de la Calavera explota y el episodio termina con una conversación entre los dos protagonistas, previendo nuevos encuentros con Goster.

En la segunda fase de esta serie, Goster ya es un sujeto solitario que viaja por el mundo haciendo el mal. El malvado asombra a las personas, resucita muertos. Sombrita sigue su travesía, ahora sin su mascota Pokey, si no acompañado por el niño Rocco.

Sombrita nunca volvió a ser retransmitida en nuestro país, por lo cual pocos la recuerdan. Sin embargo, para refrescar la memoria, inserto un extracto de un capítulo de este dibujo animado japonés.

SOMBRITA

Nombre original : Boken Shonen Shadar.
También conocido como Shadow Boy en Brasil y La Spada di Luce en Italia.
Produtora : Asahi Kogyo Co. / Nippon Hoso Eigasha - Toei Doga
Año : 1967
Episodios: 26
Exhibido en Venezuela entre 1974/1975
Televisora : Radio Caracas Televisión
Distribuçión : Trans-Global

La tragedia de la obra de Lunar

2011-03-19T12:06:00.000-07:00

El 15 de marzo de 2010, Emerio Darío Lunar murió por segunda vez. Por lo menos, así me sentí yo, cuando descubrimos que 117 obras del pintor habían sido robadas de la casa paterna donde este extraordinario creador vivió a lo largo de sus 50 años de existencia.

Al entrar en la humilde vivienda y descubrir el montón de marcos de madera apilados en el piso, no pude si no sentir una sensación de pesar enorme, tanto por la pérdida de tan valiosa obra como de la manera grotesca en que los ladrones maltrataron las telas que no pudieron llevarse. El patrimonio lo conformaba una nutrida producción de la obra de Lunar, esos cuadros que nunca quiso vender por razones sentimentales y que quedaron en manos de la familia, una vez cesó su vida.

Por motivos que no viene al caso explicar, nunca se pudo lograr un consenso para manejar este valioso legado, el cual la verdad sea dicha, se mantenía en las mismas condiciones o peores que cuando el pintor vivía. Quiero decir: en las menos adecuadas para preservar un material tan frágil, susceptible a ser afectado por los cambios de temperatura, hongos, agua, etc.

A pesar de que la denuncia fue cursada ante las autoridades policiales, nunca se obtuvo respuesta. Muchos de los vecinos del sector Las Cabillas supuestamente sabían quién o quiénes se los habían llevado, pero callaron. Comentarios crueles han llegado hasta nuestros oídos: ante la posibilidad de que pudiesen ser descubiertos, los ladrones habrían quemado todas las obras para evitar su detención. Me gustaría pensar que tal información es mentira, pues me niego a creer tanta vileza humana, tanto desprecio al valor cultural que estos cuadros representaban.

En todo caso, la obra de Lunar tuvo que esperar el reconocimiento de críticos de arte, de especialistas ligados a la cultura nacional, para que los cabimeros trascendieran su percepción acerca del "loco de Cabimas" y se concentraran en el valor intrínseco que emanaba su obra.

La tragedia siempre persiguió a Emerio Darío Lunar, con una vida torturada por sus propios problemas personales, a lo cual lamentablemente no escapó su obra.

Para recordar la importancia de este extraordinario artista plástico, les dejo esta breve biografía.

Un siglo de la rubia platino

2011-02-21T10:24:00.000-08:00

Su técnica era
la técnica del gángster:
ella portaba un pecho
como un hombre porta un arma.

Graham Greene

Cuando uno la observa en algunas de sus fotografías, nota que parecía mayor de lo que realmente era. Tal vez fuese el maquillaje recargado, o las cejas artificialmente aladas, o su actitud de “mujer que sabe” lo que le agregara años en esas imágenes a Jean Harlow, paradójicamente fallecida a la temprana edad de 26. El próximo 3 de marzo se cumplirá un siglo del nacimiento de esta diva que introdujo el arquetipo de la rubia sexy y descarada en las pantallas cinematográficas; y cuya breve vida daría alimento por décadas a los buitres de tragedias al estilo Hollywood.

Harlean Carpenter, su verdadero nombre, nació en Kansas, Missouri, en Estados Unidos de Norteamérica, en 1911. Se inició en el cine en pequeños papeles, hasta que llegó su oportunidad de la mano del magnate Howard Hughes en la cinta Ángeles del Infierno (Hell´s angels, 1930), con un parlamento memorable: vestida con un ligero traje de noche descubierto en la espalda, lo que evidenciaba la ausencia de ropa interior, ella preguntaba a su pareja: “¿Te impresionarías si me pongo algo más cómodo?” ("Would you be shocked if I put on something more comfortable?)”:

La audiencia deliró con su intervención, aunque los críticos no fueron tan benévolos. Luego fue estableciéndose en Hollywood, en cintas importantes como El enemigo público No. 1, La Jaula de Oro (traducción española de un título que le dio el sobrenombre con el cual sería conocida: Platinum Blonde o rubia platino), La Pelirroja y Mares de China.

La leyenda negra se ha afianzado en los escándalos posteriores, tales como sus varios romances con figuras conocidas como Clark Gable, el boxeador Max Baer y su prometido para el momento de su deceso, el actor William Powell. Sin embargo, el escándalo mayor lo protagonizó dos meses después de la boda su segundo esposo, el productor Paul Bern, quien fue hallado muerto en la casa de la pareja en 1932, en un oscuro suceso que los estudios Metro Goldwyn Mayer prontamente trataron de sepultar, pero que lejos de lo que podríamos suponer, no dañó la carrera de la actriz.

A Harlow la crítica cinematográfica de la época no la trató demasiado bien, aunque tardíamente se le reconoció su capacidad para la comedia. Ciertamente, Harlow era una presencia luminosa en la década de los treinta, cuando reinó encarnando a chicas “ligera de cascos”, como dirían las abuelitas: la recuerdo en una interesante galería de personajes que incluía a mujeres “duras” con corazón de oro, como en Tú eres mío y Tierra de Pasión, con un brusco Clark Gable; fría mujer de alta sociedad, en La Jaula de Oro; secretaria enamorada de su jefe, en Esposa contra secretaria; y, por supuesto, la ordinaria arribista, compañera de Wallace Beery, codeándose con los ricos en Cena a las ocho.

Harlow murió de una infección urémica el 7 de junio de 1937, cuando se encontraba filmando la película Saratoga, en pleno disfrute de su estrellato como máxima figura de la MGM. Su intempestiva muerte causó un enorme revuelo en la industria cinematográfica y dio paso a la leyenda trágica de la rubia platino, figura pionera que pronto sería sucedida por otra actriz rodeada por el drama, Marilyn Monroe. Ella, fanática conocida de la Harlow, la encarnaría en una memorable sesión fotográfica para Richard Avedon:

Un célebre diálogo

“Jean Harlow.- Estaba leyendo un libro el otro día…

Marie Dressler.- ¿Leyendo un libro…?

Jean Harlow.- Todo él trata sobre la civilización o algo así..., ¿sabes que el tipo decía que la máquina está en camino de ocupar el puesto de cada profesión?

Marie Dressler.- Oh, querida, esto es algo de lo que tú nunca tendrás que preocuparte”.

(Cena a las ocho, George Cukor, 1933)

Para quienes quieran conocer más acerca de ella, les recomiendo:

The official site of Jean Harlow

Días de cine. Mis inmortales del cine: Jean Harlow.

Una corta semblanza de esta bella actriz en El Criticón

Y nada mejor que esta reseña de TCM para recordarla en su centenario:

Un rebelde cumple 80 años

2011-02-05T10:12:00.000-08:00

“Vive deprisa, muere joven y deja un bonito cadáver”.
Jim Stark. Rebelde sin causa

Este ocho de febrero James Dean, ícono por excelencia de la juventud rebelde norteamericana en los años 50, cumpliría 80 años, si la fatalidad no se hubiese cruzado en su camino aquel atardecer del 30 de septiembre de 1955, cuando su ligero porsche Spyder impactó contra un sedán Ford en una solitaria intersección al sur de Cholame, en California. Tenía 24 años.

Acababa de terminar el rodaje de Gigante, su tercer filme, protagonizado también por Elizabeth Taylor y Rock Hudson. Al este del Edén, de Elia Kazán, había causado excelentes críticas y estaba a la espera del estreno de Rebelde sin Causa, dirigida por Nicholas Ray, en la cual encabezaba el elenco junto a la dulce Natalie Wood y Sal Mineo. Sin embargo, cuando los jóvenes de su época le vieron encarnar a Jim Stark, el abatido protagonista de Rebelde sin causa, ya James Dean había abandonado su presencia terrena y pasaba al olimpo de los mitos cinematográficos, rodeado de tragedia y convenientes rumores acerca de su vida sentimental, que han alimentado durante décadas a generaciones de seguidores.

Confieso que mi encuentro con James Dean no pudo ser más oportuno: a los 16 años, a través de su personificación de Cal Trask en Al este del Edén, la mejor de sus películas a mi juicio y la que mejor ha resistido (también según mi gusto) el paso del tiempo. Lo veía después de haber leído la extensa novela de Steinbeck en la cual se basa la cinta, centrada en un tercio de la trama escrita por el Nóbel norteamericano. Su imagen de joven incomprendido por el padre fue elemento seductor, complementada por su rebeldía frente a un mundo adulto retratada en Rebelde sin causa.

Durante años me encandiló su supuesta visión hedonista de la vida (Vive deprisa, muere joven...) y la necesidad de beber con avidez lo que la juventud te ofrece. Pero ya no tengo 16 años y al comprobar lo hermoso de ir envejeciendo luego de vivir a plenitud, mi visión personal de James Dean ha evolucionado desde ese mito de joven rebelde a la certeza de la tragedia de la vida acelerada, truncada cuando aún no ha llegado a la plenitud de su potencial.

Imagino que como yo, desde diversos espacios le recordarán. O tal vez el silencio empiece a ocupar la memoria evasiva de la audiencia, siempre en la búsqueda de nuevas vidas que escudriñar en esta época de acosadoras vitrinas mediáticas.

James Byron Dean
(Marion, Indiana, USA, 8 de febrero de 1931 / California, 30 de septiembre de 1955)

Lo que dicen que dijo

“Nadie ha hecho nunca nada por mí. No le debo nada a nadie”.

“Hay que vivir deprisa. La muerte llega pronto”.

“Interpretar es la manera más lógica de expresar nuestras neurosis”.

“Sueña como si fueras a vivir siempre, vive como si fueras a morir hoy”.

"Si tuviera que escoger, yo preferiría tener el silbido de la gente en lugar de su bostezo. Cualquier figura pública se establece como un objetivo y es la posibilidad que él toma. La mayor parte de nosotros tiene más de una opción y yo decidí ser lo que soy, aún con los restos de un muchacho de granja en Indiana... A pesar de las infinitas probabilidades y problemas a lo largo del camino, nunca lo he lamentado".

Lo que dijeron de él

“James Dean en sólo tres películas se ha convertido en un personaje más que en un actor…Con James Dean, la identificación es a la vez más profunda y más total porque su personaje lleva consigo nuestra propia ambigüedad, nuestras contradicciones y todas las debilidades humanas”. Francois Truffaut

"Dean no lo hace mejor que los demás, lo hace de manera distinta y lo adorna de tal forma que ya estamos cautivados desde ese momento hasta el final". Francois Truffaut

“En realidad no era un rebelde, al menos no en el sentido de que rechazase a sus padres o dijese: ‘Dejadme en paz, no quiero tener nada con vosotros’ […] En realidad quería decir: ‘Escuchadme’ ‘Oídme, queredme’ ". Natalie Wood

“Murió en el momento justo. Si hubiera vivido, nunca hubiera logrado estar a la altura de su publicidad”. Humphrey Bogart.

“James Dean era el alma de nuestro tiempo, deteriorada pero hermosa”. Andy Warhol.

Para consultar:

James Dean ha muerto, por Francois Truffaut, Página 12, 26 de enero de 2008, en http://www.pagina12.com.ar/diario/verano12/subnotas/98011-30982-2008-01-26.html

Dean (2007), serie Movie Icons, Editorial Tashen.

James Dean. Fifty years ago. Dennis Stock (2005)

De Best-sellers a miniseries memorables

2011-01-29T17:48:00.000-08:00

El calificativo Best-seller se atribuye a aquellas obras de gran nivel de ventas. Sin embargo, en el mundo editorial también es utilizado para referirse a una novela comercial destinada al gran público, algo que en los altos círculos literarios es visto con recelo, pues un Best-seller no implica necesariamente una calidad excelente o un rigor académico impecables.

Acusadas de pobre manejo del lenguaje y personajes poco desarrollados, estas novelas han coincidido frecuentemente con obras representativas de la cultura popular o de masas, de escasa calidad estética. Se les señala que “son muy fáciles de leer, su lenguaje es cotidiano y no le exigen al lector ningún esfuerzo para entenderlos".

Muchos autores contemporáneos altamente conocidos caen en esta categoría, tales como Harold Robbins, Erich Segal (autor de Love Story), Jaqueline Susan (El Valle de las Muñecas), Agatha Christie, o más actuales, como Tom Clancy, John Grisham, Michael Crichton y Dan Brown.

Lejos de propiciar una discusión acerca del valor de estas producciones, nos interesa recordar la interesante adaptación que a mediados de los 70 las grandes cadenas televisivas norteamericanas hicieron de algunas de las novelas más vendidas en esa época y que dieron origen a memorables miniseries que rápidamente fueron importadas por la televisión venezolana, en aquellos lejanos tiempos de apenas cuatro operadoras nacionales de señal abierta: RCTV, Venevisión, VTV y Canal 5.

Entre las miniseries pioneras se encontraba Hombre Rico, Hombre Pobre, adaptación del Bestseller de Irwin Shaw que fue transmitida en 1976, protagonizada por Peter Strauss, Nick Nolte y Susan Blakely. El éxito sin precedentes estimuló al desarrollo de otras obras literarias, que felizmente tuvimos oportunidad de disfrutar a finales de los 70.

Capitanes y los reyes (1976)

Capitanes y los Reyes fue la primera de cuatro historias realizados por la NBC en la antología que tituló Best Sellers y que en Venezuela se difundió en horario estelar dominical por Venevisión. Posteriormente se transmitió Una vez un Águila, seguido por Avenida del Parque 79 y el Cambio de Rhineman, en el periodo comprendido entre1976/1977.

La miniserie, de nueve capítulos de una hora y un total de 540 minutos, narra la vida de Joseph Armagh, un inmigrante irlandés quien viaja a Norteamérica a mediados de 1800, determinado a alcanzar la riqueza a cualquier costo. Basada en el Best-seller de Taylor Caldwell, se ha especulado que el personaje de Armagh estaría inspirado en Joseph Kennedy, patriarca del clan Kennedy.

Armagh contrabandea durante la Guerra Civil norteamericana para iniciar su fortuna. Se casa con la hija de un influyente senador y a través de la lucha, la angustia y la perseverancia despiadada, se convierte en uno de los hombres más ricos y poderosos en ese país. Sin embargo, en su camino olvida importantes cosas de la vida, como la familia y amigos. La obsesión de Joseph en lograr que su hijo Rory (Perry King) aspire a la presidencia de la nación cobra un alto precio.

Richard Jordan, quien encarnó de manera impecable a Joseph Armagh, ganó un Globo de Oro como Mejor Actor Dramático por este papel; murió de un tumor cerebral en 1993. Como dato curioso, su amante en la miniserie, la bella Blair Brown, también fue su compañera sentimental en la vida real desde 1976 hasta 1985. De igual manera, su coestrella, Patty Duke, fue reconocida por su trabajo y ganó un Emmy como Actriz Principal en una miniserie. Duke venía de ser estrella infantil y juvenil, ganadora de un Oscar a la mejor actriz secundaria a los 16 años, en 1962, por su papel de Hellen Keller en la película El Milagro de Anna Sullivan; un Golden Globe y un Emmy antes de haber alcanzado sus 25 años.

Entre los protagonistas se encuentran, además de Jordan, Duke y Brown, los actores Perry King, Ray Bolger, John Carradine, Henry Fonda, Celeste Holm, John Houseman, Burl Ives, Vic Morrow, Bárbara Parkins, Jane Seymour (también nominada al Emmy por su rol de Marjorie Chisholm Arnagh), Ann Sothern, Robert Vaughn, Sally Kirkland y una debutante Beverly D’Angelo, cuyo desnudo causó inusitada polémica.

Vista en retrospectiva, Capitanes y los reyes aún mantiene el interés del espectador. Puede ser obtenida en formato DVD a través de internet.

Una vez un águila (1976)

Basada en la novela de Anton Myrer, la miniserie Una vez un águila (Once an Eagle, 1976) fue dirigida por Richard Michaels y E.W. Swackhamer, con libreto de Peter Fischer. Contaba con la actuación de un excelente reparto, que incluía a Sam Elliot, Cliff Potts, Darlene Starr; los veteranos de lujo Glenn Ford y Ralph Bellamy; la hermosa Linda Day George y una jovencísima Melanie Griffiths.

La miniserie narraba la historia de dos oficiales de la armada, durante sus 30 años de carrera, desde la Primera Guerra Mundial hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Sam Damon (Sam Elliot) es el galán, un tipo recto, hombre de familia excelente y guerrero loable. Por su parte, Courtney Massingale (Cliff Potts) es su antítesis: un ser mujeriego, intrigante, despiadado, obsesionado por su carrera que sabe jugar desde todos los ángulos para llegar a la cima.

Avenida del Parque 79 (1977)

El título formal para esta miniserie realizada en 1977 era Harold Robbin´s 79 Park Avenue (Avenida del Parque 79, de Harold Robbins), para diferenciarla de la obra homónima de William Makepeace Tackeray.

La adaptación del Best-seller de Robbins fue protagonizada por Lesley Ann Warren, lejos ya de su almibarada interpretación de Cenicienta (1965). Su personaje, Marja Fludjicki, es una joven honesta quien en la Era de la Depresión es acusada de asesinar a su padrastro borracho. El crimen de Marja era justificable, pues había sido violada por él.

Las circunstancias llevan a Marja de prostituta adolescente a convertirse en la elegante y muy cara “Madame” Marianne, de la Avenida 79 del Parque, con fuertes vinculaciones con la mafia: forzada por las circunstancias a una vida de prostitución, Marja se casa con Ross Savitch (Marc Singer), jugador empedernido de Las Vegas. Ross es liquidado por el Sindicato mafioso, abandonando a Marja en una situación desvalida. No obstante, Marja renace de la tragedia al hacerse testigo federal en contra de la mafia, sin olvidar su historia de amor con quien luego la defendería, el abogado Ben Savitch (Michael Constantine), padre sin saberlo de su única hija.

Aspen (1977)

Realizada en 1977 sobre una adaptación de la novela homónima de Bert Hirschfield, Aspen estaba ambientada en un resort de ski en Colorado en los años 60. La miniserie de seis capítulos narra la historia de Lee Bishop, interpretado por Perry King, quien es acusado de violar y asesinar a una joven de 15 años, a pesar de que es inocente.

Su abogado Tom Keating, interpretado por Sam Elliot, debe luchar para demostrar su inocencia y encontrar al verdadero culpable, mientras la sentencia de muerte ronda al acusado. También participaron en el reparto Tony Franciosa, John Houseman, Jessica Harper, Joseph Cotten y Michelle Phillips.

Aún recuerdo la escena en la cual un ebrio Perry King se queda dormido sobre la nieve, mientras a lo lejos se escuchan los gritos de la jovencita durante su violación y posterior asesinato con una piedra sobre su cabeza. Fue transmitida por Venevisión en su espacio de los domingos a las 9:00 pm Best sellers.

Por supuesto, existen aún muchas otras series que emergen de nuestra memoria: la imperial Yo, Claudio; Pueblo embrujado, con Bette Davis; Al este del edén, con Jane Seymour; Kane y Abel; la emotiva Raíces; la estremecedora Holocausto; la inglesa Los de arriba y los de abajo; Norte y Sur, con Patrick Swayze; Los últimos días de Pompeya; Sangre y Orquídeas, con Kriss Kristoferson y una magnífica Jane Alexander… De ellas hablaremos en próximos post.

Si quieres saber más de estas series, consulta:

• Amazon.com, en http://www.amazon.com/Captains-Kings-RichardJordan/dp/B001HCWGUW/ref=sr_1_1?s=dvd&ie=UTF8&qid=1295035179&sr=1-1

• Aspen, en http://www.ioffer.com/i/aspen-1977-miniseries-sam-elliott-perry-king-3discs-99602181
• Bluejay, en http://www.blujay.com/item/ASPEN-1977-Sam-Elliott-Perry-King-RARE-TV-MINI-SERIES-THRILLER-DRAMA-12030000-2903534
• Crazy about Tv, en http://www.crazyabouttv.com/captainsandthekingsminiseries.html
• DVDtalk, en http://www.dvdtalk.com/reviews/45556/once-an-eagle/
• Once an eagle, en http://www.once-an-eagle.com/miniseries.html
• Your classic movies, en http://yourclassicmovies.weebly.com/classic-mini-series.html

Gente que espera

2011-01-29T10:05:00.000-08:00

Hay gente que espera
una luz, un golpe de suerte,
un gesto, una mirada,
una palabra sabia…

Hay gente que espera
en un banco de un parque,
en un cuarto solitario
mirando la pintura
manchada del techo,
en un pasillo de hospital
las manos entrelazadas
o aferradas a una silla.

Lo peor y lo mejor de la espera
es la incertidumbre:
Toda incógnita alberga
una esperanza y una desilusión.

J.G.Marcano (Enero, 2011)

En la búsqueda del libro de Ryuen...

2010-12-04T09:10:00.000-08:00

Mientras se encuentra en el campo, atendiendo sus labores cotidianas, una joven madre japonesa es observada por su pequeño hijo. De repente, un águila desciende rápidamente del cielo. El pequeño comienza a llorar y su madre se da cuenta del peligro inminente. Lanza la herramienta de trabajo y corre hasta donde se encuentra su hijo. Sin embargo, es demasiado tarde. Las garras del ave de rapiña toman al niño y ésta continúa su vuelo. La madre desesperada corre tras el animal, pero tropieza y cae. Sólo puede ver cómo se aleja la raptora de su pequeño Fujimaru.

A pesar de lo dramático de la escena, esa águila posteriormente será abatida por el ninja Sasuke, quien pasa a tener a Fujimaru como su discípulo. Así, entrenado en las artes marciales, siendo aún muy joven desarrolla habilidades de maestro con poderes sobre el elemento viento. También es muy diestro con la espada y posee el arte de multiplicarse. Preparado adecuadamente, el pequeño Ninja sale al reencuentro de su madre, quien por su parte nunca dejó de buscarlo.

La historia sucintamente narrada corresponde a la serie japonesa de dibujos animados “El Pequeño Ninja Fujimaru”, transmitida en Venezuela a mediados de los años 70 por Venevisión. Su argumento se basó en una creación original de Sanpei Shirato de 1960, Kaze no Ishimaru.

Shirato es uno de los mayores autores de manga de todos los tiempos. Nació en Tokio el 15 de febrero de 1932 y se estrenó como cartonista en 1957. Creó decenas de historias, entre ellas varias de ninjas, llamadas de Artes Marciales (Ninjutsu). Entre sus trabajos más conocidos se encuentran Ninja Bugeichô (1959), Sasuke (1961), Kamui Den (1964) e Watari (1965).

El manga de Fujimaru era diseñado por Fumio Hisashi y fue publicado por la revista Bokura, en 1965. No obstante, la animación de la serie de televisión estuvo a cargo de otro grande de la animación, Hayao Miyazaki, para la productora Toei Doga. Se estrenó en Japón el 7 de junio de 1964 y culminó el 31 de agosto de 1965. Contaba con 65 episodios y su nombre original es Shonen Ninja Kaze No Fujimaru. En Brasil se le conoció como “Samurai Kid”, mientras que en los países de habla inglesa, la serie se tituló “Young Ninja of the Wind, Fujimaru”

La historia se hace compleja, a medida que avanza la acción: En el Japón del Shogunato Tokugawa, Fujimaru encontrará al doctor Kenshin, al Maestro Yukan, a la niña Menika, al niño Taro y al mapache Ponkichi, entre otros; y se enfrentará a Konposai, un maestro en las artes de expeler fuego que está detrás del manuscrito del Libro de Ryuen, un rollo-pergamino con terribles técnicas ninjas el cual se encuentra en poder de Fujimaru. El manuscrito también es buscado por los agentes de Shogún, pero el secreto terrible que él encierra sólo es revelado al final de la serie, cuando Fujimaru por fin se reencuentra con su madre.

Con muchas escenas de combate entre Fujimaru, ninjas y Konposai, esta serie mostraba al protagonista como un joven héroe con absoluta confianza en sí mismo y valor, cualquiera que fuese el enemigo a enfrentar. Además, presentaba su aprendizaje, la forma como sus maestros estimulaban su manera de pensar y su crecimiento interior.

La capacidad de dominar el viento, así como poder multiplicarse con imágenes temporales, entre otras habilidades, eran algunas de sus armas secretas. Aún hoy, al ver nuevamente algunas escenas de la serie, sorprende el manejo de la acción, la importancia dada a la música incidental y al sonido en los enfrentamientos con sables, así como el uso de diversas armas como boleadoras y pequeñas “estrellas de acero” que agredían mortalmente a los oponentes.

El Pequeño Ninja Fujimaru fue una producción de calidad, con dibujos estilizados, un manejo adecuado del lenguaje cinematográfico, escenas de luchas muy bien recreadas y técnicas de animación simples y eficientes.

Instrucciones para llorar...

2010-11-28T11:44:00.000-08:00

Alguna vez oí en una obra teatral que llorar era bueno, porque las lágrimas permitían lavar los ojos y de esta manera podíamos mirar las cosas de otra manera. A lo mejor es cierto: realmente requerimos limpiar nuestra mirada de tanta tristeza, de tanto vicio de mirar de una determinada forma, para alcanzar una nueva perspectiva de la vida, tal vez.

Por el momento, comparto estas instrucciones para llorar, que nos dejara ese grande de la literatura, Julio Cortázar, en su Historias de cronopios y de famas:

"Dejando de lado los motivos, atengámonos a la manera correcta de llorar, entendiendo por esto un llanto que no ingrese en el escándalo, ni que insulte a la sonrisa con su paralela y torpe semejanza. El llanto medio u ordinario consiste en una contracción general del rostro y un sonido espasmódico acompañado de lágrimas y mocos, estos últimos al final, pues el llanto se acaba en el momento en que uno se suena enérgicamente.

Para llorar, dirija la imaginación hacia usted mismo, y si esto le resulta imposible por haber contraído el hábito de creer en el mundo exterior, piense en un pato cubierto de hormigas o en esos golfos del estrecho de Magallanes en los que no entra nadie, nunca.

Llegado el llanto, se tapará con decoro el rostro usando ambas manos con la palma hacia adentro. Los niños llorarán con la manga del saco contra la cara, y de preferencia en un rincón del cuarto. Duración media del llanto, tres minutos."

El auriga

2010-11-28T11:38:00.000-08:00

"Es, pues, semejante el alma a cierta fuerza natural que mantiene unidos un carro y su auriga, sostenidos por alas. Los caballos y aurigas de los dioses son todos ellos buenos y constituidos de buenos elementos; los de los demás están mezclados. En primer lugar, tratándose de nosotros, el conductor guía a una pareja de caballos; después, de los caballos, el uno es hermoso, bueno y constituido de elementos de la misma índole; el otro, está constituido de elementos contrarios, y es él mismo contrario. En consecuencia, en nosotros resulta necesariamente dura y difícil la conducción."

Platón.
Fedro, o de la belleza.
pp.76 y 77

Emerio Darío Lunar: Una flor en el desierto

2010-10-23T19:13:00.000-07:00

El primer recuerdo que me viene a la mente de tío Emerio es el de una persona entregada a su labor de pintar, rodeado de latas de pintura de aceite, pinceles, en el improvisado taller en el cual trabajaba en la casa de mi abuelo, acompañado de gallinas, palomas y gatos. Estaba ubicado en la “enramada”, en la parte posterior de una casa humilde, en el sector Las Cabillas, en Cabimas, donde acompañado de un termo de café y cigarrillos, daba forma a lo que su mente creativa imaginaba, ya en sueños, ya con la mirada perdida en un horizonte que nadie veía.

Sin embargo, la imagen más duradera que tengo de él no proviene de mis recuerdos. Es una imagen prestada de la portada de la edición 57/58, del año 1980, de la revista Respuesta del Zulia, ya desaparecida: lo presenta ataviado de traje y corbata, pelo largo, sobre los hombros, bigote y barba cerrada, en un basurero y con unos balancines de fondo. El título es elocuente: «Una flor en el desierto. El reclamo histórico de la zona petrolera». Lo que más me impresionó fue su mirada, con esa profundidad y un dejo de desamparo. Era él, pero a la vez no lo era. En la foto era un símbolo del triunfo sobre la adversidad, pero para mí ha sido desde entonces la viva representación del desarraigo, de la soledad…

Algún día compartiré algunas cosas que sé de él, esas que no se publican en los periódicos ni en las revistas, si no que se acumulan en el corazón...

Marilyn mirándome en la ventana

2010-08-03T20:42:00.001-07:00

Te imagino
apoyada en la ventana,
la mirada entre altiva e incitante.
Desdeñosa escudriñas mi figura.
¿De qué niñez perdida me hablas?
¿De cuántas sábanas desordenadas
en un amanecer que nunca llega?
Con tu escote me invitas
a tocar tu piel;
pero tu mirada, Marilyn,
tu mirada…
No deja perderme
en un torbellino ilusorio.
Sólo refleja tristeza y abandono.
Me recuerda mi soledad.

El combate contra el mal nunca cesa

2010-07-28T19:24:00.000-07:00

El 19 de octubre de 1999, la Corte del Distrito Tokio, en Japón, encontró a Toshio Egi culpable de cargos por drogas. Egi, quien para el momento era el presidente de una agencia de talentos, había sido miembro de un popular grupo musical llamado “Four Leaves.” Sin embargo, la noticia difundida por Sankei Sports al día siguiente de la decisión judicial habría pasado inadvertida para los lectores occidentales de no ser porque el acusado fue protagonista de la exitosa serie “Monstruos del Espacio”.

El rol de Toshio Egi fue el de Miko, hijo del periodista Tom Mura y Tomoko. El sería la persona escogida por el sabio Metuseh y Goldar, el robot con poderes especiales, para que los ayudara en su lucha contra el malvado Rodak, quien en su intento por adueñarse de la tierra no vacilaría en enviar los más diversos y extraños monstruos desde el espacio para hacer que los terrícolas se rindieran a sus pretensiones.

Esta serie japonesa con actores reales fue conocida en Japón como Ambassador Magma, en Brasil como “Vingadores do Espacio” y bajo el nombre de “Space Giants” fue difundida en Estados Unidos a finales de la década del 70. Estaba basada en una historieta del mítico Ozamu Tezuka; y fue publicada como suplemento en la revista Shonen Gahosha Magazine bajo el nombre de Ambassador Magma.

Una serie de impacto internacional

El cartonista Tomio Sagisu, fundador de la firma P-Productions, contactó en 1966 a Tezuka y a su firma Mushi Productions, responsables de otros éxitos como Astroboy, Los Tres Espaciales y Kimba, para trasladar el personaje a una nueva serie de acción con actores reales. Tezuka aceptó, pese a tenerla ya planeada en una versión de dibujos animados; y la serie finalmente disfrutaría de una peculiar mezcla de film y animación. El argumento televisivo tampoco fue tan fiel al original, convirtiéndose más que nada en una continuación del cómic.

A Latinoamérica llegaría, junto a un enorme lote de comiquitas entre las cuales destacaban Meteoro, Kimba el León y Fujimaro del Viento, a principios de los años 70, pero no fue sino hasta 1978 cuando fue mostrada en Inglés alrededor del mundo, incluyendo Australia.

Fue doblada al inglés originalmente en 1970 bajo el título de “Space Avengers” manteniendo el tema musical original japonés, pero no fue vendido a ninguna estación de televisión hasta seis años más tarde bajo el nombre de “Space Giants”, con una nueva canción introductoria. Peter Fernández fue el responsable del doblaje para la versión inglesa, después de su éxito con Meteoro y Marino y la Patrulla Oceánica.

La historia retomaba elementos de Godzilla y las incursiones de habitantes del espacio exterior: La Tierra, nuevamente vía Japón, es amenazada por Rodak, conquistador de otras galaxias, quien ha vuelto sus ojos hacia nuestro planeta y ambiciona agregarlo a su colección, estimulado por las maravillas que este posee. Para suerte de los terrícolas, otros seres del espacio vienen del planeta ZFS para ayudarnos: el viejo sabio Metusen, de larga y blanca cabellera; y un par de robots, Goldar y Silvar, creados por él, quienes tienen la capacidad de transformarse en cohetes.

Monstruos del Espacio fue una serie de bajo presupuesto y contó con 52 episodios. Cada capítulo constaba de cuatro partes, con una duración total de 25 minutos. Resguardando los costos, únicamente un traje de monstruo se requería para cada capítulo. Los ojos y la boca de las mascaras de Goldar y Rodak no se movían para nada y nunca veías la transformación total de Goldar y su familia como robots.

Lucha de titanes

Toda historia tiene un comienzo y Monstruos del Espacio no es la excepción. El primer episodio fue quizás el más fiel a la historieta original: Un cometa cae en Tokio. Un hombre misterioso entra en una cabina telefónica y llama a un reportero de periódico llamado Mura. Quien atiende es Miko, su hijo. El hombre informa que Rodak, un conquistador del espacio, quiere encontrarse con él. Mura toma la llamada como una broma y la ignora.

En la mañana siguiente, Mura, su esposa Tomoko y Miko son transportados en el tiempo al pasado y se ven en una balsa. Un dinosaurio surge, amenazador, pero la nave voladora de Rodak también aparece y destruye al monstruo. Rodak expone sus intenciones y ordena a Mura que diga al mundo todo lo que vio. Miko toma fotografías de Rodak. Después de recibir el mensaje, la familia de Mura regresa al tiempo normal.

Al día siguiente, Miko es visitado por Goldar, que le pide copias de las fotos de Rodak. Goldar lleva a Miko hasta el corazón de un volcán, el Monte Olimpo, donde vive con su mujer Silvar y con Metuseh. El sabio explica el peligro que representa Rodak y destaca que Goldar, con sus enormes poderes, está allí para ayudar a los habitantes de la tierra.

Encantados con Miko, Goldar y Silvar piden a Metuseh que les de un hijo. Metuseh crea entonces a un tercer robot-cohete con forma de niño, que es llamado Gam. Goldar da a Miko un silbato. Cuando requiera de su ayuda, Miko deberá tocar una vez para llamar a Gam, dos veces para Silvar y tres veces el propio Goldar. Gam hace su primer vuelo llevando a Miko de vuelta a casa.

Rodak inicia entonces un ataque continuado contra la tierra para lograr su rendición, para lo cual emplea una sucesión de monstruos, entre los que se encuentran Molesaurus, un montruo subterráneo;el alado Birdaurus, los encapuchados Lugones (quienes se convierten en una masa gelatinosa azulácea cuando son aniquilados), el metálico Noronda, la abeja gigante Nardo, el minimonstruo Lodi, y Kono, “la mayor criatura de todas”, el cual en realidad es Rodak en una forma alterna. Goldar y su familia continuamente enfrentan a los enemigos venidos del espacio exterior. La historia incluye situaciones como la sustitución de la madre de Mikko por los lugones.

El final de Rodak

En el último capítulo, Rodak envía al monstruo Kyono para la Tierra y arma un plan para colocar a Goldar fuera de acción: Captura a Miko y lo lleva prisionero para su nave. Bajo engaño, hace que el niño llame a Goldar (él también llama a Gam). Rodak, entonces, revela su plan: necesitaba que Miko trajera al héroe cerca de su nave, equipada con ondas electrónicas especiales, para poder provocar un problema en su sistema de navegación, haciendo que éste se perdiera y vagara en el espacio por siempre. El plan resulta. Mientras tanto, Gam rescata a Miko y logran escapar de la nave.

Más tarde, Silvar y Gam salen en busca de Goldar. Metuseh se traslada al planeta Hanada, donde Goldar podría encontrar combustible y regresar a la Tierra. Cuando lo encuentran, ya sin combustible, lo ayudan a localizar el planeta y a reabastecerse. Goldar consigue regresar, enfrenta a Kyono y lo destruye.

Kyono era el más fuerte y peligroso de los monstruos enviados por Rodak, su última oportunidad de conquistar la Tierra. Por eso, se había incorporado en el cuerpo del monstruo para darle su fuerza e inteligencia. Así, cuando Goldar destruyó a Kyono, también acabó con Rodak. El final es previsible: Goldar, Silvar y Gam se despiden de sus amigos terrestres y regresan con Metusen a su planeta, esperando tener una nueva oportunidad de reencontrarse en el futuro.

Epílogo

Pasados los años, nunca más volvimos a saber de la serie ni de sus protagonistas. Quizá las nuevas tecnologías evidenciarían la pobreza de recursos técnicos de “Monstruos del Espacio”, razón por la cual nunca más fue repuesta en las televisoras locales.

El incidente de drogas que llevó a Egi a tan comprometida situación el 11 de mayo de 1999, cuando sirvió a una amiga un trago con drogas, puso su nombre en el tapete nuevamente para los espectadores occidentales. Egi recibió una sentencia suspendida de 31 meses con cinco años bajo supervisión, lo cual significaba que si permanecía fuera de problemas durante ese período, no tendría que preocuparse acerca de ir a la cárcel.

Cuando convocó a la conferencia de prensa después del veredicto, los reporteros observaron que se veía aliviado la decisión del tribunal. La lucha contra el mal esta vez no se libraba con un enemigo venido del espacio, sino confrontando sus propias debilidades humanas.

Egi declaró: “Acepto la decision de la Corte. No tengo excusas”. Prometió continuar trabajando para su agencia de talento, de cuya presidencia fue removido, bajo su nombre real de Manabu Kamei. Takashi Aoyama, ex-miembro de “Four Leaves,” asumió la posición vacante de presidente y prometió que todos los miembros ayudarían a Egi para un nuevo comienzo. Por su parte, el otrora niño actor destacó que apreciaba profundamente el apoyo de sus amigos. “Mi esposa me ha dicho: Si te comportas, te perdonaré”. Era un final auspicioso. Después de todo, la lucha contra el mal nunca cesa.

Una nueva etapa

2009-10-13T11:17:00.000-07:00

Desde el 1 de septiembre de 2009 la Escuela de Oficios Virgen del Rosario del Paraute pasó a llamarse Centro Educativo de Adiestramiento Virgen del Rosario del Paraute, en honor a nuestra patrona, en Las Morochas, Ciudad Ojeda.

Con figura jurídica propia y formalizada su inscripción ante el Ministerio del Poder Popular para la Educación, este centro educativo inicia una nueva etapa, con renovado entusiasmo y muchas expectativas.

En momentos cuando la crisis golpea a la Costa Oriental del Lago y muchos proyectos caen estrepitosamente, apostamos a continuar realizando nuestra labor, sostenida y enraizada en las verdaderas necesidades de las comunidades petroleras.

Confiamos en la gente, porque es nuestro sentido y nuestro objetivo. No podemos darle la espalda, porque ellos nos han brindado su confianza y apoyo continuo. Corresponde a las empresas demostrar su compromiso social, precisamente ahora cuando los recursos escasean pero las necesidades aumentan. Nunca un momento fue más oportuno para manifestar su solidaridad con los más necesitados.

NO MÁS SILENCIO...

2009-08-08T20:45:00.000-07:00

En el selector de radioemisoras de mi camioneta hay un espacio vacío desde el pasado 1º de agosto de 2009. Desde ese día, de vez en cuando lo sintonizo para que el silencio me recuerde que allí debería estar sonando Zuliana 102 FM, emisora a través de la cual me informaba y escuchaba música; y que gracias a decisiones arbitrarias del Gobierno Nacional ya no puedo seguir disfrutando.

Poco a poco se van cerrando los espacios y en momentos cuando todos deberíamos estar unidos para reclamar un derecho inalienable, lamentablemente privan los intereses personales y se mantiene un silencio cómplice de los principales afectados. No hablo de los periodistas, locutores y trabajadores de medios que ahora se han visto en la calle. Me refiero a los dueños de muchas radioemisoras, salvo contadas excepciones, quienes prefieren mantener un silencio cómplice para evitar eventuales pases de factura que impacten negativamente otros intereses propios.

El cierre de las 32 emisoras radiales y 2 televisoras regionales no sólo atenta contra el derecho al trabajo, contra la libertad de expresión e información; es la manifestación de una estrategia muy bien orquestada para tomar el control de todos los medios de comunicación venezolanos y que se expresa en diversas actuaciones de los poderes públicos, los cuales en lugar de ser garantes de nuestros derechos, se convierten en obstáculo permanente con un solo fin: callar la disidencia, la opinión crítica, la pluralidad, la independencia de criterio.

A ello se suman la Ley de Educación, próxima a aprobarse en la Asamblea Nacional; y otros instrumentos, más leguleyos que legales, para llevarnos a un sistema político cada vez más alejado de la democracia. Triste destino el que nos espera si continuamos impasibles ante el derrumbamiento de los valores que como Nación estamos obligados a defender. Se prefiere un pensamiento único, así muchas veces esté equivocado. Se prefiere aceptar la incompetencia antes que permitir que otros den soluciones efectivas a los problemas de las comunidades. Se prefiere obviar la corrupción antes que tomar las medidas en contra de este mal que nos está carcomiendo como país.

La responsabilidad de actuar no es de los partidos políticos de oposición, ni de los estudiantes, ni de los profesionales de la comunicación que se quedaron sin trabajo por el cierre de las emisoras, ni de los periodistas a los cuales se les pretende pasar una Ley de Ejercicio de contrabando. Es un problema de todos los ciudadanos a quienes les duele este país y que deberían estar en pie de lucha para que se respete la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela, cuyos preceptos son vulnerados una y otra vez ante el silencio cómplice de muchos y la angustia de unos pocos.

La ciudadanía se ejerce, no es un regalo ni una concesión graciosa. Y en Venezuela cabemos todos: chavistas y no chavistas. Todas las opiniones deben ser respetadas y la condición más importante no viene dada por ninguna afiliación política: la determina el sólo hecho de ser humanos y venezolanos.

Abriendo camino...

2009-08-04T18:49:00.000-07:00

Las despedidas siempre son tristes, pero hoy quiero expresar mi alegría por la exitosa culminación de la formación teórica del grupo de aprendices de Soldadura Universal, que este miércoles 05 de agosto egresan de la Escuela de Oficios Virgen del Rosario del Paraute, patrocinada por la Fundación Las Morochas Siglo XXI en convenio con el Centro de Adiestramiento y Desarrollo Integral C.A.D.I.

Trece jóvenes finalizan esta etapa de su adiestramiento y ahora pasan a demostrar lo aprendido en la práctica en servicio en las empresas que apoyaron su capacitación. Lamentablemente, por la situación de algunas contratistas luego del proceso de expropiación, varios de ellos no podrán cumplir esta fase práctica tal como estaba previsto, pero ya se adelantan las gestiones para garantizar su colocación en otras empresas de la zona.

Para mí, que he visto su evolución desde que ingresaron a nuestra institución en octubre de 2008, es una gran satisfacción haber sido partícipe de su adiestramiento. Guíados por su instructor, René Meleán, han demostrado su capacidad para aprender, su espíritu de solidaridad y colaboración, el entusiasmo propio de la juventud que, ciertamente, extrañaremos cuando ya no estén.

Creo que el reto mayor viene ahora. Confío en que, tanto su formación técnica como en valores, sea lo suficientemente sólida para dejar en alto el nombre de la Escuela de Oficios Virgen del Rosario del Paraute, de la Fundación Las Morochas Siglo XXI y de CADI. Las otras promociones que han egresado así lo han hecho y no esperamos menos de quienes, durante su permanencia en nuestro centro educativo, demostraron que cuando se quiere, se puede. ¡Éxitos a todos!

LAS MOROCHAS HACIA EL SIGLO XXI

2009-06-06T17:51:00.000-07:00

Hace un año comenzó la aventura de materializar esta publicación. Con el patrocinio de la Fundación Las Morochas Siglo XXI, fueron convocados los mejores talentos para fortalecer la identidad de este sector de Ciudad Ojeda, rico en historias, en tradición y en valores culturales. Así nació el proyecto Una Historia para Las Morochas, cuya primera fase consiste en la edición de este libro, mi mayor orgullo, el cual acertadamente lleva por nombre Las Morochas hacia el Siglo XXI.

Hoy, luego de la "expropiación" de la mayoría de las empresas allí asentadas, en lo que hace apenas un año fuese un poderoso cluster de compañías vinculadas a la industria petrolera en la COL, cobra mayor vigencia esta propuesta editorial, que aspira enaltecer la voluntad de un pueblo y apoyarle en su camino para alcanzar una mejor calidad de vida.

Los textos son del doctor Rutilio Ortega y del licenciado Jóvito Rodríguez, quienes llevaron a cabo un minucioso trabajo de recopilación de datos, recolectados en fuentes orales, hemerográficas y bibliográficas dispersas. Las imágenes son de la excelente fotógrafa Mirna Chacín, así como reproducciones de fotografías históricas a cargo de Audio Cepeda, Alejandro Ibáñez y otros destacados profesionales de la fotografía en la región. La producción editorial estuvo bajo la coordinación de J Eme Editores, empresa editorial de gran trayectoria que, al mando de Janet Olier y el respaldo de Irainer Dall´Orso, han hecho de este libro una verdadera joya de colección.

La presentación será este jueves 11 de junio de 2009, a las 10:00 am, en el tanque mural, ícono de Ciudad Ojeda, ubicado en la calle La Ceiba, sector Las Morochas.

Cabimas...

2009-05-16T18:37:00.000-07:00

Alguien me comentó una vez que lo mejor de Cabimas es la salida hacia Maracaibo. Cabimas, una ciudad petróleo. Un mechurrio encendido día y noche. San Benito en enero, con tambores y sudor de multitudes. Calor, mucho calor. Cabimas es el olvido que, paradójicamente, ésta allí como recuerdo permanente de lo que pudo ser y no es.

¿Qué es ser artista,

preguntas,

en esta ciudad perdida?

Es nada

sólo un eco

que débil se escucha

entre las aguas negras

y las calles abiertas

llenas de huecos

como esta alma mía.

Nostalgia (a propósito de la "remodelación" de la Plaza Bolívar de Cabimas)

2009-05-15T09:48:00.000-07:00

Los maravillosos urbanistas de la Gobernación del Zulia decidieron que, para mejorar la Plaza Bolívar en Cabimas, había que demolerla por completo, con árboles centenarios y edificios derribados. Que no quedara piedra sobre piedra. Según ellos, para construir hay que destruir, sin importar la memoria de quienes crecimos viendo esa plaza, que ni tan vieja era, pues había sido remodelada por enésima vez en la década de los años 80.

Peor fue la actitud del sector revolucionario mesmo de nuestra ciudad: prefirieron paralizar la obra y mantener a Cabimas con el dudoso honor de ser la única ciudad de Venezuela que tiene como plaza un corral de chivos. Hay razones que ni la misma Razón entiende.

Nada más oportuno, entonces, que compartir un poema del escritor venezolano Rafael Arráiz Lucca:

Al fin termino por entender

que yo amo esta ciudad hasta la rabia:

es tierra y abono para la nostalgia.

benditos constructores que no dejan ni una casa,

amadísimos urbanistas paisajistas

que siempre cambian los bancos de las plazas

(nada conserva su nombre

y lo agradezco de todo corazón)

que nada se acerque a la eternidad,

que la ciudad que yo conozco

no la conozcan mis hijos,

que nunca rodemos por la misma calle,

que la nostalgia se construya todas las quincenas.

Antes de la transmutación...

2009-05-15T09:14:00.000-07:00

Sépalo todo el mundo: la indiferencia ha sido la muerte de este ícono de Cabimas. Producto del arte de Lucidio González, durante la gestión de Hernán Alemán, no pocos denuestos recibió esta escultura cuando fue instalada en la antigua redoma del sector Nuevo Juan. Pocos vieron con buenos ojos la instalación de los dos "muñecos", blancos no por ser adecos, sino por sus materiales de fabricación.

En noviembre pasado, lo que había sido un intento fallido por trastocar la visión original del artista, se volvió realidad. Ahora los "muñecos" son rojos, rojitos, por su supuesta esencia revolucionaria.

Tal vez estén más cerca de la verdad de lo que hasta ahora habíamos entendido como significado de la obra "Monumento al Trabajador Petrolero". Lo rojo no es por revolucionario, sino que alude la sangre derramada por tanto dirigente sindical petrolero y por los obreros que defendieron sus derechos, esos mismos que los herederos de un pasado glorioso se han dedicado a patear con ahínco, sin mostrar la más mínima vergüenza por deshonrar un legado de dignidad y orgullo verdaderamente revolucionario.